MAS Curating: Degree 2021 – Zoom Event
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Abongile Willi
- Description
- An Ode to Adulting ist eine Betrachtung des Erwachsenseins, innerhalb und vor einer Vielzahl von Kulissen. Das Erwachsensein wird durch Filme beobachtet, deren Geschichten sich auf die Poesie des Erwachsenwerdens, des „Volljährig-Seins“ und des letzten Teils des Erwachsenseins stützen, in dem oft, so scheint es, eine Erkenntnis des Scheiterns und/oder der Fehlleitung bei der Ausübung des Erwachsenseins zu verzeichnen ist.
Der Titel Erwachsener wird dem Menschen nicht nur für sein körperliches Wachstum verliehen, sondern ist in hohem Maße mit den Erwartungen verknüpft, die an den körperlich erwachsenen Menschen gestellt werden. Erwartungen, die sowohl vom Individuum als auch von seiner Gesellschaft ausgehen. Das Gewicht dieser Erwartungen spielt oft eine bedeutende Rolle bei den Reaktionen des Erwachsenen auf das Leben. Diese werden nicht immer direkt kommuniziert, sondern durch die Leistungen der fertigen Erwachsenen in einer Gesellschaft. Derjenige, der sich auf diese Position zubewegt, nutzt diese Leistungen als Vorbild, dem er nacheifern kann, sobald er selbst die Erwachsenenrolle übernimmt.
Abongile Willi ist eine südafrikanische Künstlerin und Kuratorin, die derzeit in St. Gallen in der Schweiz lebt. Sie hat einen ND und einen BTech in Fine Arts von der Tshwane University of Technology. Sie erhielt ein Certificate of Advanced Studies in kuratorischer Praxis vom ZhdK und hat kürzlich einen MAS in Kuratieren, ebenfalls vom ZhdK, abgeschlossen. Zu ihren jüngsten Projekten gehören die Mitarbeit an der Ausstellung games.fights.and encounters, die 2020 im OnCurating Projektraum eröffnet wurde, sowie die Kuratierung von An Ode To adulting, einer Filmausstellung, die im Mai 2021 ebenfalls im OnCurating Projektraum gezeigt wird. Sie hat auch Beiträge für das OnCurating Journal, Ausgaben 32 und 48, verfasst. 2010 arbeitete Willi ehrenamtlich im Pretoria Art
Museum in Pretoria als pädagogischer Assistent und leitete dort Kunstworkshops und kuratierte eine Reihe von Ausstellungen mit. Zusammen mit anderen Assistenten half sie bei der Eröffnung der Kopanong Art Studios, einem Wohnheim für Künstler aus Pretoria. Sie wurde als eine von 40 Emerging Creatives im Jahr 2016 von der Design Indaba für ihre Apples and Oranges Schmuckdesigns. In den vergangenen Jahren hat sie ihre Arbeiten in ihrem Heimatland sowie in Frankreich, England und den USA ausgestellt. Ihr Forschungsinteressen sind die Anerkennung der objektiven Wahrheit im zeitgenössischen Diskurs und einer Ethik der Ehrlichkeit in der Industrie Wissen.
- An Ode to Adulting ist eine Betrachtung des Erwachsenseins, innerhalb und vor einer Vielzahl von Kulissen. Das Erwachsensein wird durch Filme beobachtet, deren Geschichten sich auf die Poesie des Erwachsenwerdens, des „Volljährig-Seins“ und des letzten Teils des Erwachsenseins stützen, in dem oft, so scheint es, eine Erkenntnis des Scheiterns und/oder der Fehlleitung bei der Ausübung des Erwachsenseins zu verzeichnen ist.
- Project title in German
- Eine Ode an das Erwachsenwerden
- Imported on
- 05.06.2021
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- 2
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Arianna Guidi
- Description
- "Meine Augen folgen der Form der Bäume durch eine horizontale Linie, parallel zum Boden, von rechts nach links. Die Füße folgen meinen Augen, der Körper folgt meinen Füßen. Was vor mir liegt, ist eine Begegnung mit dem Dialog. Ich konstruiere Bild für Bild, gebe ihm Form. Was sehe ich? Was höre ich?"
Im Februar 2020, genau zum Zeitpunkt des Ausbruchs der Pandemie in Europa. Ich begann meine täglichen Spaziergänge hinauf nach Gempen. Der einfache Akt des Gehens und Hörens erweckte und vertiefte meine Wahrnehmung dieses Ortes, der Zeit, der Entfernung. Oben auf dem Hügel, dem nördlichen Zipfel des Kantons Solothurn, spielen Vögel, singen Farben, das Moos durchdringt die Luft. Das Sehen und Hören, Tag für Tag, brachte mich dazu, meinem verschlafenen Ich zu begegnen und mit ihm in Dialog zu treten und meine Wahrnehmung dessen zu hinterfragen, was sich vor meinen Augen verbirgt und was mir in die Ohren flüstert. Aus diesem Moment des Erwachens und des Bewusstwerdens für das Sinnliche, den Körper, entsteht das Projekt Society of Nature (SoN).
Wie nehmen wir wahr, was uns umgibt? Wie setzen wir uns aktiv damit auseinander? Unsere Wahrnehmung der Welt ist verzerrt durch die Produktion und Anhäufung von Bildern, die zu einem Modell werden, dem wir folgen und Wissen produzieren. Wir konstruieren unsere Welt um diese Erscheinungen herum, die unsere Vorstellungskraft nähren und die Realität unserer modernen Gesellschaft bilden, anstatt uns aktiv und kollektiv mit unserem Leben auseinanderzusetzen.
Society of Nature ist eine kuratorische Plattform, die mehrere Perspektiven zusammenbringt durch Kunst- und Designagenturen. Sie zielt darauf ab, ein Bewusstsein für vielfältiges menschliches und und nicht-menschliches Wissen zu schaffen und Formen der Repräsentation sowohl im digitalen als auch in einem physischen Raum. Es ist als experimentelle Feldarbeit konzipiert, ein Raum zum Koexistieren, kooperieren und Ideen auszutauschen, indem wir unseren Blick auf das Irdische richten: den Blick aus unserem Körper.
Die Plattform von Society of Nature besteht aus zwei Hauptphasen: einer digitalen Feldforschung und einer physischen Feldarbeit, die sich parallel zueinander entwickeln und in den in den Monaten Mai und Juni 2021 ineinander übergehen. Die erste Phase, das Online Symposium Where is Nature?, das auch als Vorproduktionsphase und aktiver Dialog zwischen den Künstlern, dem Kurator und dem Publikum gedacht ist, wird als ein Raum zur Untersuchung von Bilddarstellungen, menschlicher und nicht-menschlicher Wahrnehmung durch die fünf Sinne. Die zweite Phase der SoN-Ausstellung möchte eine immersive Erfahrung der vielfältigen Wissensproduktion schaffen. Die sieben Künstler und Designer, die für die Ausstellung ausgewählt wurden, teilen eine dynamische und ökologische Weltsicht.
Vom Träumen lernen mit indigenen Hebammen in Mexiko, mit der 3D-Pflanzen-Videoarbeit des Künstlers Daniel Godínez Nivón, über das Erleben des pulsierenden Ökosystems in 'Feuerland' in Patagonien, mit dem Video von Valentina Pini, bis hin zur Betrachtung der Kristallisationsprozesse und Formationen durch die visuelle Installation von Michelle-Marie Letelier. Die irische Künstlerin Laura Ní Fhlaibhín reflektiert mit einem großformatigen Gemälde über die reiche und lebendige irische Folklore und literarische Traditionen, Alaa Abu Asad erforscht mit der audiovisuellen Installation des Japanischen Staudenknöterichs das Konzept der Invasion der Flora, Sadra Wejdani visualisiert seine Forschungen über Asphalt und Mikroorganismen, und Martina Taranto wird natürliche, historische, folkloristische und mystische Elemente zu praktischen und meditativen Übungen für die Besucher der Ausstellung verschränken.
Können wir zu einer Gesellschaft der Natur werden, indem wir das Bestehende enthüllen, die Bildproduktion durch das Zeugnis der Natur, Formen der Kunst und des Designs überdenken, und so zu kollektiven Produzenten unseres Lebens werden?
Arianna Guidi ist eine Kuratorin und Designerin aus Rom. Sie lebt in Basel und arbeitet zwischen London und Zürich. Sie hat einen Master in Contemporary Typographic Media vom London College of Communication und einen BA in Design von der ArtEZ University of the Arts in den Niederlanden. Sie arbeitet als freiberufliche Designerin für verschiedene Studios und Agenturen in London, ist Associate Curator bei 'Looking Forward' und Mitbegründerin der kuratorischen Plattform 'Nomadic Shapes' zusammen mit Myriam Boutry, die sich auf die Erforschung verschiedener kuratorischer Methoden konzentriert und mit dem Ausstellungsraum experimentiert, indem sie die Möglichkeiten physischer und digitaler Formen hinterfragt.
- "Meine Augen folgen der Form der Bäume durch eine horizontale Linie, parallel zum Boden, von rechts nach links. Die Füße folgen meinen Augen, der Körper folgt meinen Füßen. Was vor mir liegt, ist eine Begegnung mit dem Dialog. Ich konstruiere Bild für Bild, gebe ihm Form. Was sehe ich? Was höre ich?"
- type
- Project title in German
- Gesellschaft der Natur
- Imported on
- 05.06.2021
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- 2
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Jose Cáceres
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- Description
- “A Forest of Many Worlds” setzt sich mit den facettenreichen und vielschichtigen Welten des Sihlwaldes und den komplexen Zusammenhängen zwischen dem Wald und der Stadt Zürich auseinander. Im Rahmen des Vorhabens soll der Ausstellungsraum und seine inhärenten objektivierenden Tendenzen gegenüber der Natur entflechtet werden. Dabei wird die Natur nicht als Objekt der Betrachtung und Reflexion gehandelt. Im Gegenteil: Die Natur wird Akteur. In diesem Sinne finden der Sihlwald und dessen mannigfaltigen biologischen, mineralischen, hydrologischen und montanen Entitäten ihren Platz in der Ausstellung. Die Geschichte des Sihlwaldes zeigt exemplarisch die Komplexität der Beziehungen zwischen Natur und Mensch. Die wirtschaftliche Nähe –der Sihlwald war der Hauptholzlieferant für die Stadt Zürich– wandelte sich im 20. Jahrhundert zu einer kulturellen Distanz, die der Raum der Natur vom Raum der Stadt trennt. Dieses Verhältnis zwischen Stadt und Wald rückt “A Forest of Many Worlds” wieder in den Mittelpunkt. Die Ausstellung schafft ein Verhältnis zwischen dem Sihlwald und dem Kunstraum „la_cápsula“ mitten in der Stadt Zürich, das die Grenzen zwischen Natur und Kultur verändert und die universalistische, eurozentristische Dichotomie von Natur und Kultur auflöst. Demgemäss wird ein konfliktreicher, fluider Raum gestaltet, in dem sich die komplexen Verstrickungen zwischen verschiedenen Räumen und Lebewesen entfalten. Im Sinne einer postkolonialen kritischen Betrachtung der Natur nimmt die Ausstellung amerikanische indigene Denkweisen als Ausgangspunkt, die eine fliessende Ontologie der Natur befürworten. Somit erkennt die Ausstellung die Vitalität der nichtmenschlichen Akteure an. Diese Perspektivwechsel erlauben den beteiligten Künstler:innen, neue Solidaritäten und Pädagogiken aufzuzeigen, die den Wald als Ausgangspunkt und Mitgestaltenden aufnimmt.
Folgende Künstler:innen sind in der Ausstellung beteiligt: Sarina Scheidegger (CH), Aldir Polymeris (CH), Paula Baeza Pailamilla (CL), Paloma Ayala (MEX/CH), Dominik Zietlow (CH) und Willimann/Arai (CH/JPN). Die Auswahl der beteiligten Künlster:innen gründet auf deren feministische und postkoloniale Auseinandersetzung mit der Natur und deren regen Austausch mit lateinamerikanischen Perspektiven, welche die Schweiz im globalen Kontext verstehen und analysieren. “A Forest of Many Worlds” zeigt eigens für die Ausstellung geschaffene Werken, die ein Gleichgewicht zwischen menschlichem und nichtmenschlichem Lebens gestalten sowie neue Wissensaustauschs- und Beziehungsformen zwischen dem Wald und der Stadt skizzieren. Der Sihlwald und seine vielen Welten dient als Exempel der gegenwärtigen komplexen Beziehungen der politischen Ökologie. Ausgehend einer horizontalen Kollaboration, in der die beteiligten Kunstschaffenden sich mit den Welten des Waldes und anderen Expert:innen (Ranger:innen, Förster:innen, Forstwissenschaftler:innen, Umweltwissenschaftler:innen, etc.) austauschen, konzeptualisieren und entwickeln die Kunstschaffenden Interventionen in Wald und in der Stadt. Dabei fungiert der Kunstraum “la_cápsula” als Begegnungsort beider Lebensräumen. Die Werke werden während der Ausstellungszeit in unterschiedlichen Momenten installiert und gezeigt. Die Ausstellung charakterisiert sich somit durch eine Vielfalt unterschiedlicher Rhythmen, Zyklen und Ereignissen, die kein statisches Bild des Sihlwaldes, sondern eine fluide Idee desgleichen aufzeigen soll. Das Ziel es, zu neuen Solidaritäten mit der Natur zu inspirieren, die ihnen ermöglichen sollen, den Anthropozentrismus ihrer Naturerfahrung zu verlassen.
Jose Cáceres (Curicó, Chile) ist Historiker und Kurator. Nach dem Geschichtsstudium an der
Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (Chile) promovierte er in Geschichte an der Universität Zürich. Er erforschte neuzeitliche Sexualitäten im reformierten Zürich und ihr Verhältnis zu Körper, Geschlecht und Natur. Als wissenschaftlicher Oberassistent lehrt er zu postkolonialen Theorien, lateinamerikanischer Geschichte und Schweizer Geschichte am Historischen Seminar der Universität Zürich. In seinem Postdoc-Projekt erarbeitet er den Zusammenhang zwischen Natur- und Geschichtsvorstellungen im globalen Kontext, vor allem in den wissensgeschichtlichen Beziehungen zwischen Lateinamerika und Europa. 2004-2006 arbeitete er als wissenschaftlicher Mitarbeiter am Landesmuseum Zürich. Seine kuratorische Praxis beruht auf einer kollektiven Praxis, die er an der Schnittstelle zwischen Natur, Geschichte und Dekolonialität erforscht. Zu seinen
jüngsten Projekten gehört die Dokumentarausstellung „Chilean Revolt. A Chronicle“ at la_cápsula (2020) und walmapu ex situ (2020-2021) in Zusammenarbeit mit „trop cher to share“. Er kuratierte Ausstellungen zum Aktivismus und Kunst (On Curating Project Space Zürich) sowie zur Poetik der sozialen Proteste in Chile (Volumes an der Kunsthalle Zürich und la_cápsula Zürich). Jose Cáceres ist Mitbegründer der Plattform exhibition goers und des Kollektives Decolonize Zurich.
- “A Forest of Many Worlds” setzt sich mit den facettenreichen und vielschichtigen Welten des Sihlwaldes und den komplexen Zusammenhängen zwischen dem Wald und der Stadt Zürich auseinander. Im Rahmen des Vorhabens soll der Ausstellungsraum und seine inhärenten objektivierenden Tendenzen gegenüber der Natur entflechtet werden. Dabei wird die Natur nicht als Objekt der Betrachtung und Reflexion gehandelt. Im Gegenteil: Die Natur wird Akteur. In diesem Sinne finden der Sihlwald und dessen mannigfaltigen biologischen, mineralischen, hydrologischen und montanen Entitäten ihren Platz in der Ausstellung. Die Geschichte des Sihlwaldes zeigt exemplarisch die Komplexität der Beziehungen zwischen Natur und Mensch. Die wirtschaftliche Nähe –der Sihlwald war der Hauptholzlieferant für die Stadt Zürich– wandelte sich im 20. Jahrhundert zu einer kulturellen Distanz, die der Raum der Natur vom Raum der Stadt trennt. Dieses Verhältnis zwischen Stadt und Wald rückt “A Forest of Many Worlds” wieder in den Mittelpunkt. Die Ausstellung schafft ein Verhältnis zwischen dem Sihlwald und dem Kunstraum „la_cápsula“ mitten in der Stadt Zürich, das die Grenzen zwischen Natur und Kultur verändert und die universalistische, eurozentristische Dichotomie von Natur und Kultur auflöst. Demgemäss wird ein konfliktreicher, fluider Raum gestaltet, in dem sich die komplexen Verstrickungen zwischen verschiedenen Räumen und Lebewesen entfalten. Im Sinne einer postkolonialen kritischen Betrachtung der Natur nimmt die Ausstellung amerikanische indigene Denkweisen als Ausgangspunkt, die eine fliessende Ontologie der Natur befürworten. Somit erkennt die Ausstellung die Vitalität der nichtmenschlichen Akteure an. Diese Perspektivwechsel erlauben den beteiligten Künstler:innen, neue Solidaritäten und Pädagogiken aufzuzeigen, die den Wald als Ausgangspunkt und Mitgestaltenden aufnimmt.
- type
- Project title in German
- A Forest of Many Worlds. Nature, Care and Commons
- Imported on
- 05.06.2021
- Parent sets
- 2
- Set is related to
- 0 1
Maya Bamberger
- Description
- Die Kernfrage für diese Diskussion ist, ob das Erklären von Kunst das Tor ist, um allen Menschen den Zugang zu den Bereichen der zeitgenössischen Kunst zu ermöglichen oder sie mit der Lektion zu entfremden, dass sie Kunst nur durch die Vermittlung der Worte des Kurators erfahren können? Ist das Erklären nicht vielmehr das Tor zur Emanzipation oder eine verfeinerte Version der Klassenunterscheidung? Welche Risse können dazwischen geboren werden?
Das erste Kapitel mit dem Titel 'Warum wird Kunst erklärt?' umreißt die Ursprünge und Ziele von Kunsterklärungen. Ich schlage vor, dass die Tendenz, Kunst zu erklären, im Diskurs über Kunst als einer Institution wurzelt, die durch gelehrte Regeln konstruiert wird, die auf Arthur Danto und George Dickie basieren. Mit Hilfe von John Searles Definition der Institution beginne ich, die Institution der Kunst und die Funktion des Kurators darin zu verschränken. Ich positioniere Erklärungen in ihrem sozialen Kontext der Klassendifferenzierung, lehne mich dabei an Pierre Bourdieu an und erkenne die Fehlanpassung ihrer politischen Rationalität. Indem ich von der unmittelbaren Logik der Erklärungen zu ihrer Sozialität übergehe, stelle ich das Argument auf, dass der Kurator, der den Besucher scheinbar erzieht, um ihm zu helfen, als Agent bei der Aufrechterhaltung von Machtverhältnissen in der Akkumulation des kulturellen Lebens positioniert ist. Diese frühe soziale Analyse komponierte die Komplexität der Untersuchung und die Frage, die die Forschung begleitet: Gibt es eine Alternative zu Erklärungen, die nicht demselben sozialen Determinismus folgen? Ich schlage zwei Umwege vor, die nicht ohne die ihnen innewohnenden Herausforderungen sind.
Nachdem ich das Paradoxon der Kunsterklärungen zwischen ihrer Rolle bei der Vermittlung der institutionellen Aspekte der Kunst und ihrer Rolle bei der Klassendifferenzierung betont habe, konzentriert sich das zweite Kapitel auf die Schrift von Jacques Rancière -The Ignorant Schoolmaster: Five Lessons in Intellectual Emancipation - als eine Lösung des Paradoxons, die aus der Philosophie der Bildung stammt. Es wird anhand der Fallstudie des The Complete Jessy Cohen Museum im 'Israeli Center for Digital Art' in Holon, Israel, mit Hilfe von Janna Grahams Kritik an radikalen Pädagogiken in Kunstgalerien untersucht. Die Analyse der Fallstudie des The Complete Jessy Cohen Museum beginnt mit der Identifizierung seines emanzipatorischen Potentials und der spezifischen Bedingungen der Beteiligten innerhalb dieser scheinbaren Perspektive, um dann wieder mit einem erklärenden Text der Kuratorin zu scheitern.
Das dritte Kapitel führt mit Wiebke Gronemeyers The Curatorial Complex: Social Dimensions of Knowledge Production in die Positionierung einer Ausstellung - über ihre Objekte, den Text, den Raum, das Wissen, das sie produziert, und die Beziehungen zwischen den beteiligten Personen - in Bezug auf das, was außerhalb des Ausstellungsraums liegt. Das Kapitel untersucht disruptive Eingriffe in den kommunikativen Raum der Ausstellung unter Anwendung von Lüttickens Symptomatologie.
Diese subversiven Praktiken, die die Kommunikation korrumpieren, statt zu erklären, werden in der Diskussion von Mess, die alle vorgestellten Theorien zusammenfasst, aufgezeigt und hinterfragt. Mess untersuchte die Metapher des Unfalls, wie sie sich in der Kunst verkörpert. Sein kuratorischer Text mit seiner performativen Aneignung der Qualität der Kunst wird als nicht-explikatorische Strategie vorgeschlagen, die sich dem institutionellen Axiom von "X ist Y" verweigert. Mit seiner emanzipatorischen Motivation, die auf der Annahme von Gleichheit beruht, wird dieser Ansatz durch seine Rezeption untersucht. Die verärgerten Stimmen der Hilflosigkeit, die von Menschen kamen, die sich von diesem sich entwickelnden Paradigma ausgeschlossen fühlten, verstärkten die Schwierigkeit, das Paradoxon der Kunsterklärungen zu lösen. Letztlich wird das Bestreben des Kurators Matatyahus durch den Rahmen poetischer symptomatologischer Interventionen im kommunikativen Raum der Ausstellung mit der Möglichkeit der Erlösung aus der Störung untersucht.
In diesem Text stelle ich unweigerlich immer wieder die Machbarkeit der gewünschten Alternativen in unseren sozialen und politischen Bedingungen, in denen Kunst produziert wird, in Frage. Obwohl nicht ohne Zögern, finde ich in Matatyahus Ansatz die Anfänge einer Auflösung des dargestellten Paradoxons. Wenn ich mich entscheiden muss, ob ich Bourdieu folge und alles als einen Mechanismus der Klassendifferenzierung sehe oder an die Ausstellung als performative Möglichkeit der Gleichheit zwischen den Menschen glaube, entscheide ich mich für Letzteres. Manchmal aus reinem Glauben, und manchmal als praktische Entscheidung, Gleichheit anzunehmen, um sie zu praktizieren. Die Annahme von Gleichheit ist die Grundlage für eine sozial engagierte Praxis, die für die Demokratisierung der Kunst verantwortlich ist, statt für ihre Entfremdung. Ich hoffe, weiterhin nach gegenhegemonialen Strategien in akademischer Forschung, Praxis und Reflexivität zu suchen und zu versuchen, nicht aufzugeben, wenn die Reproduktion der gegenwärtigen Strukturen unvermeidlich scheint. Rancière schreibt, dass "der Künstler Gleichheit braucht, wie der Erklärer Ungleichheit braucht". Ich erkläre: der Kurator, dieser Kurator, braucht Gleichheit.
Maya Bamberger (geboren 1991, Jerusalem) lebt und arbeitet in Tel Aviv. Bamberger ist seit August 2019 die Kuratorin der RawArt Gallery in Tel Aviv, einer Galerie, die sich der Vertretung aufstrebender Künstler widmet. Im Rahmen ihrer Arbeit bei RawArt hat sie zahlreiche Einzelausstellungen kuratiert, unter anderem für die Künstler Hadas Satt, Esther Schneider, Iva Kafri, Sagie Azoulay, Ruven Kuperman und Sharon Glazberg, sowie Gruppenausstellungen. Eine ihrer wichtigsten Initiativen in der Galerie ist das Shuttle-Projekt zur Förderung von Künstlern am Anfang ihrer Karriere, darunter "youaresafe.net", Maya Perrys digitale Residency. Bamberger initiierte und produzierte auch, zusammen mit dem Galerieteam, die 2020 Gallery Weekend Tel Aviv Events, die die Wiedereröffnung des Tel Aviver Kunstfeldes während der Covid-19-Pandemie markierten.
Als unabhängige Kuratorin ko-kuratierte sie mit Roni Koren, begleitet von Sergio Edelstein, eine Ausstellung der Künstlerin Hilla Toony Navok im On Curating Project Space in Zürich für die Multi-Format-Reihe Choreographing the Public. Bamberger hat einen B.A. in Kunstgeschichte und Kognition von der Hebräischen Universität Jerusalem und einen MAS in kuratorischen Studien bei Professor Dorothee Richter an der Zürcher Hochschule der Künste. Sie schreibt regelmäßig für das Magazin OnCurating.
- Die Kernfrage für diese Diskussion ist, ob das Erklären von Kunst das Tor ist, um allen Menschen den Zugang zu den Bereichen der zeitgenössischen Kunst zu ermöglichen oder sie mit der Lektion zu entfremden, dass sie Kunst nur durch die Vermittlung der Worte des Kurators erfahren können? Ist das Erklären nicht vielmehr das Tor zur Emanzipation oder eine verfeinerte Version der Klassenunterscheidung? Welche Risse können dazwischen geboren werden?
- type
- Project title in German
- (Durcheinander) Statt zu Erklärung: Emanzipatorische Kunstvermittlung in der Perspektive einer sozialen Dimension der kuratorischen Wissensproduktion
- Imported on
- 05.06.2021
- Parent sets
- 2
- Set is related to
- 0 0
Website degree.curating.org 2021
- Description
- Die Website degree.curating.org wird speziell für die diesjährige Abschlussausstellung des Postgraduate Programme in Curating ins Leben gerufen. Sie zeigt die verschiedenen Veranstaltungen und Projekte, die das Programm in den letzten zwei Jahren gemeinsam mit den MAS-Studierenden durchgeführt hat: von der Veröffentlichung zweier OnCurating Issues (www.on-curating.org) über gemeinsame Ausstellungen und MAS-Projekte bis hin zu Exkursionen und Inputs von internationalen Kuratoren.
Zusätzlich sind hier die Ausschnitte der Zoom-Veranstaltung vom 11. Juni 2021 abrufbar mit einem Vortrag des Kurators Philipp Bergmann (Shedhalle Zürich), Präsentationen und Diskussionen mit den MAS-Studierenden Alina Baldini, Maya Bamberger, Jose Caceres Arianna Guidi, Abongile Gwele, Daniela Hediger und Rafia Kodmani.
- Die Website degree.curating.org wird speziell für die diesjährige Abschlussausstellung des Postgraduate Programme in Curating ins Leben gerufen. Sie zeigt die verschiedenen Veranstaltungen und Projekte, die das Programm in den letzten zwei Jahren gemeinsam mit den MAS-Studierenden durchgeführt hat: von der Veröffentlichung zweier OnCurating Issues (www.on-curating.org) über gemeinsame Ausstellungen und MAS-Projekte bis hin zu Exkursionen und Inputs von internationalen Kuratoren.
- Project title in German
- Website degree.curating.org
- Imported on
- 05.06.2021
- Parent sets
- 1
- Set is related to
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