Konzeption und Gestaltung einer Wetter App für Menschen mit spezifischen Bedürfnissen.
Welche Features sollte eine Wetter App für Wanderer haben? Wie können sich Analphabeten informieren? Und was ist mit Menschen, die auf dem Planeten Mars leben? Berücksichtigt wurden die Komplexität der Informationen, das Ausgabegerät, der Verwendungsort, die Bedienbarkeit, sowie die Ein- und Ausgabe.
Ausgehend von einem Verständnis, welches Sound Design im Theater- und Performancekontext als Praxis begreift, die in starker Nähe und Wechselwirkung zur szenografischen Gestaltung steht, entwickelt diese schriftliche Arbeit ein Strukturraster und formuliert Gestaltungsprinzipen, die am Beispiel einer interaktiven Rauminstallation dargelegt werden.
Marius Wengers Masterarbeit ist Dokumentation und Vermittlung eines ca. zweijährigen Rechercheprozesses im Themenfeld «Öffentlichkeit und Klimawandel» (Ende 2018 – Ende 2020).
Am Anfang stand die Frage, wie Medien im Allgemeinen und der Kulturjournalismus im Besonderen dem Klimawandel zu mehr Aufmerksamkeit sowie zu klimafreundlichen Verhaltensänderungen in der Bevölkerung und somit einer nachhaltigeren Gesellschaft beitragen können.
Der Rechercheprozess war geprägt von mehrmaligen, der Aktualität geschuldeten Abbrüchen, konzeptuellen Änderungen und Neuanfängen: Ausgelöst durch die Klimastreikbewegung erhielt der Klimadiskurs 2019 einen unvermittelten, heftigen Aufmerksamkeitsschub, bevor die Coronapandemie im Frühling 2020 das Thema wieder aus Medien, Politik und Gesellschaft verdrängte und die Klimastreikbewegung (vorübergehend) aus dem öffentlichen Raum verbannte.
In seiner Masterarbeit erkundet Franz Beidler die Frage der Wahrheit und der Subjektivität im journalistischen Porträt. Aus der Unmöglichkeit des objektiven Porträts resultiert eine Versuchsreihe: Eine Vielzahl an Porträts desselben Menschen mit unterschiedlichen Zugängen und in unterschiedlichen Formen.
Darstellungsformen werden gleichgesetzt mit unterschiedlichen Perspektiven auf einen Menschen und ergänzen sich so zu einem mehrdimensionalen Porträt eines Menschen, das gleichzeitig ein Porträt der (Un-)Möglichkeit des Porträtierens und ein Poträt des Porträtisten ist.
Augmented reality (AR) offers new possibilities for sound designers to create audio only applications. This thesis examines the sonic potential that the sport of running offers for such applications. A prototype is presented by discussing the technical and artistic requirements as well as describing the practical implementation. Finally, example scenes are discussed to illustrate the prototype. Source code and documentation can be found on https://achimb.ch
Die Masterarbeit von Corina Stadler stellt fünf Architektinnen und Architekten vor, die in der Ostschweiz tätig sind. Sie bauen Schulen, Krematorien und Wohnhäuser, sanieren Denkmäler, beraten, vernetzen sich mit regionalen Handwerker:innen oder Politiker:innen und sehen es als ihre Verantwortung, die Gesellschaft mitzugestalten. Ihre Haltung beeinflusst ihre Art des Bauens. Die Porträts geben einen Einblick in die Wertschöpfung in einem der grössten Berufsfelder der Creative Economies in der Bodenseeregion.
Corina Stadlers Porträts von Vreni Härdi, Denkmalschützerin in Appenzell Ausserrhoden, Astrid Staufer, Chefin eines sechzigköpfigen Büros im Thurgau, Peter Dransfeld, mehrfacher Solarpreisgewinner mit Büro am Bodensee, Rahel Lämmler, selbständige Teilzeitarchitektin und Architekturvermittlerin aus dem Appenzell und Andy Senn werfen Schlaglichter auf den gesellschaftlichen Wertewandel, das Verhältnis zwischen dem Lokalen und dem Globalen und die Frage der Ethik des Bauens in der Gegenwart.
«Es gibt Berufe, die mehr Schaden anrichten als der des Industriedesigners, aber viele sind es nicht.» Das schreibt Victor Papanek, selbst Industriedesigner, bereits 1971. Der Satz sorgte damals für Furore, doch die Kritik ist noch heute gültig.
Im Podcast «gute gestalten» von Anna Raymann erzählen Designer:innen und Gestalter:innen, wie sie sich ebendieser Kritik stellen. Welche Relevanz hat ihr Beruf, wenn Ressourcen knapper und gesellschaftliche Herausforderungen etwa durch eine Pandemie drängender werden? Mit welchen Ideen und Konzepten begegnen sie sozialen und ökologischen Krisen? Wie gestalten sie, ohne zu schaden?
Entlang eigener Arbeiten und Forschungen erzählen Modedesignerin Charleen Elberskirch, Designforscherin Minou Afzali und Industrial Designer Simon Oschwald, wie sie von ihrer Werkbank aus der Welt ein paar Probleme abnehmen.
Die drei Folgen sind weniger als abschliessende Positionen formuliert, die den Diskurs um Social Design in seiner Tiefe erfassen; viel eher markieren sie individuelle Haltungen, die als Denkanstoss zu verstehen sind.
Begleitend schrieb Anna Raymann unter dem Titel «Über Social Design sprechen» eine persönliche Dokumentation und Reflexion zur Entstehung des Podcasts.
In ihrer Masterthesis prüft und untersucht Nurja Bischoff Augmented Reality Anwendungen als Gegenstand ihres eigenen Unterrichts. Dabei ist es ihr Anliegen, dass nicht nur sie entsprechende Lehrperson, sondern auch die Schüler:innen im Rahmen dieser Erprobung eine Haltung zum exemplarischen Gegenstand einer digitalen Medienpraxis entwickeln und diese als Handlungsraum erfahren. Auf didaktischer Ebene interessiert sie deshalb neben der Vermittlung eines technischen Know-how auch das Schaffen eines reflexiven Zugangs, der mit der praktischen Aneignung dieser Anwendung wie auch mit der Auseinandersetzung mit Referenzbeispielen aus dem Kunstkontext einhergeht. Indem die Anwendung im Sinn eines Cultural Hacking auf den Schulkontext bezogen wird, gewinnt die Unterrichtsanlage eine zusätzliche inhaltliche Ebene. Das Prinzip der Überlagerung verschiedener Wirklichkeitsebenen wird dabei als Möglichkeit zur Intervention genutzt.
Im Zentrum der Thesis steht die kunstpädagogische Auseinandersetzung mit abjekter Kunst.
Abjekte Werke provozieren Ablehnung, Ekel oder Empörung. Die empfundene Aversion löst bei Rezipient:innen teils heftige körperliche und emotionale Reaktionen aus. Durch diese ästhetische Grenzerfahrung, den augenscheinlichen Tabubruch legt abjekte Kunst genau die Normen und Wertesysteme offen, die sie als unwürdig oder abstossend klassifizieren. Über die Offenlegung werden normative Wertungen und gesellschaftliche Verdrängungen dem Diskurs zugänglich und somit potentiell verhandelbar.
Von dieser Prämisse ausgehend, untersucht die Thesis, wie das Potential verwerflicher Werke zum Tragen kommen kann und welche Herausforderungen sich in der kunstpädagogischen Vermittlungssituation ergeben. In der diskursanalytischen Auseinandersetzung wirft Nora Némethy grundsätzliche Fragen der Kunstpädagogik auf und beleuchtet scheinbar unlösbare Dilemmata.
Im Rahmen ihrer Masterthesis geht Milena Sentobe der (Un-)Möglichkeit von diskriminierungs-kritischem Denken und Handeln an Schweizer Gymnasien und in der (Kunst-)Vermittlung nach. Ausgehend von einem Manifest der Schüler:innen-Bewegung «Bildung ohne Sexismus» entwickelte die Autorin ein Interesse daran, ihre queerfeministisch-intersektionale Perspektive, mit der sie seit mehr als zehn Jahren in ihrer künstlerischen und politischen Praxis arbeitet, aktiver in ihrer kunstvermittlerischen Tätigkeit mitzudenken. Um eine mehrstimmige Auseinandersetzung mit diesem Thema zu ermöglichen, entschied Milena Sentobe sich dafür, Roundtable-Gespräche im Rahmen von zwei Radiosendungen des Online-Radios Megahex zu organisieren. Diese Radiosendungen bildeten zugleich ein experimentelles Setting, um zu erproben, wie diskriminierungskritisch verhandelt, vermittelt und diskutiert werden kann. Gesellschaftlich re-produzierte Unterdrückungsverhältnisse, mehrfach Privilegierung (u.a. der Autorin selbst) und die Macht der Sprache, des Zuhörens und des (Ver-)Schweigens waren in der Erarbeitung und Analyse des Projekts ein zentrales Thema.
Die Rolle der Kunstvermittlung im Bereich Migration: Transfer von Wissen zwischen antirassistischen Theorien und der Praxis als weisse Kunstvermittlerin
Im Fokus der Masterarbeit steht eine von der Autorin organisierte, gestalterische Projektwoche für/mit Jugendlichen mit und ohne Fluchterfahrung. Theoretisches Fundament bilden Auseinandersetzungen mit kritischen Diskursen zu: Rassismus & Othering-Prozessen, Postkolonialismus, Critical Whiteness, Kritik am Freiwilligendienst und am Antimuslimischem Rassismus.
Die Arbeit beschreibt dabei Wechselwirkung zwischen theoretischer Auseinandersetzung und erprobter Vermittlungspraxis. Die Autorin – selbst in einer privilegierten Position – muss sich der Frage nach möglichen adäquaten und kritischen Umgangsweisen mit ihrer Rolle als weisse Kunstvermittlerin stellen. Den Prozess hin zum Rassismus-kritischen Denken beschreibt Laura Hew in ihrer Thesis als eine Bewegung durch ein Labyrinth. Diese Rassismus-kritische Reise ist dabei von Irrwegen geprägt: Erprobte Denk und Handlungsmöglichkeiten entpuppen sich als Sackgassen; Entscheidungen werden getroffen und anschliessend als Widersprüchlich verworfen; häufig gibt es kein Weiterkommen, sondern ein Zurückgehen/-treten, den Weg erneut nehmen. Je länger sich die Autorin im Labyrinth bewegt, desto klarer wird: Es gibt keinen Ausweg aus dieser labyrinthischen Situation. Die einzige Möglichkeit ist sich darin zurechtzufinden mitsamt aller Unsicherheiten und ganz im Sinne von «getting comfortable being uncomfortable».
Über das Nachdenken anhand zweier theoretischer Positionen, einem Fallbeispiel und einer künstlerisch-explorativen Untersuchung im Rahmen ihrer schriftlichen und künstlerischen Masterarbeit, setzte sich Bianca Dugaro das Ziel, sich zu ihren unterschiedlichen Rollen als Mutter, Studentin und Künstlerin zu positionieren und diese gleichzeitig zu befragen.
Der Alltag der Autorin ist durch die jeweiligen Bedingungsgefüge dieser Rollen von ständigen Verhandlungen und Ressourcenfragen geprägt, von Aushandlungen von Bedürfnissen aller Beteiligten, innerhalb und ausserhalb der Familie. Der Löwenzahn, der für die Einen ein hartnäckiges Unkraut darstellt, für andere als Heilpflanze gilt und zur Freude der Autorin überall wächst, diente ihr dabei als Spiegel, an dem sie Wechselwirkungen und Spannungsfelder zwischen Lebewesen und ihren Bedingungen untersuchte. So fragte sie sich: was kann ich von ihm lernen? Anhand Kutis’ historischer Aufarbeitung, zeichnete Bianca Dugaro nach, wie Künstlerinnen mit ihrer Situation als Mutter in den 1970er-Jahren umgingen. Die Bedingungen unter denen Künstlereltern heute arbeiten, haben sich allerdings verändert. Das isolierte Atelier, in dem das «Genie» in Ruhe und geschützt von der Aussenwelt arbeiten konnte, wird zum post-atelier. Zeitgenössische Künstler:innen, die ihre Rolle als Eltern oder Fürsorgende in ihren Arbeiten thematisieren, bezeichnet Binaca Dugaro deshalb mit Kutis als «Artist-Parents». Die Küche wird dabei zum Atelier. Aufzeichnungen gemeinsamer alltäglicher Situation am Familientisch dienen ihr als Ausgangsmaterial. Auf der Grundlage von Videostills, die eine Totale und eine Detailansicht ermöglichen, stellt sie Kohlezeichnungen her und überlagert diese mit dem Originalbild. Die repetitive Handlung wird durch die Zeichnungen als Produktionsweise sichtbar. Die Künstlerin erstellt eine Zeichnung nach der anderen und denkt dabei über die Konstellationen im Bild nach. Es ist ein Versuch, ihren Alltag, die Fürsorge und die Kunst zusammenzubringen.