In ihrer Masterarbeit beschreibt und analysiert Vivianne Tat den Prozess der Gestaltung und Ausführung der Gruppenausstellung «Wide-Angle Framework», die sie für den Art Space FOMO kuratierte. Das Ausstellungskonzept fokussiert auf die Schnittstelle zwischen Fotokunst und digitaler Technologie, insbesondere künstlicher Intelligenz. Es zielt darauf ab, ein Bewusstsein für die transformative Kraft der Verbindung von Kunst und KI im Hinblick auf Kreativität, Diskurs und Teilhabe zu schaffen, indem die Interaktionen zwischen Mensch und Technologie im Prozess der Entstehung der Werke sichtbar gemacht werden. In ihrer Thesis reflektiert Tat, inwiefern die Auswahl der Werke und deren Inszenierung sowie die interaktiven Elemente der Ausstellung zu diesem Ziel beigetragen haben. Damit zeigt sie auf, wie technologische Instrumente nicht nur als Werkzeuge, sondern auch als Akteure im kreativen Prozess begreifbar werden können.
Im Rahmen einer Anfrage für ein Vermittlungsangebot zu einer Ausstellung von Benin-Objekten traf Paavo Schweizer auf die «Sammlungen Afrikas» des Museum Rietberg. Erste Gehversuche und Berührungen mit der Sammlung brachten ihn ins Zweifeln: Inwiefern ist für ihn als weisse Lehrperson Kunstvermittlung zu diesem Thema überhaupt denkbar? In seiner Masterthesis untersucht Schweizer Möglichkeiten der Vermittlung postkolonialen Wissens anhand von Kunstobjekten aus den «Sammlungen Afrikas». Ausserdem dokumentiert er die Erfahrung seines Strauchelns in der Planung und Durchführung der Vermittlungssequenz und kontextualisiert diese mittels einer theoriegeleiteten Auseinandersetzung mit dem Museum als Institution und seiner Sammlung.
Im Dokumentarfilm «Szenenwechsel», den Alice Sommer in Ko-Autorinnenschaft mit der HKB-Studentin Anna Urwyler realisierte, begeben sich die beiden Kunsthochschulstudentinnen auf einen Mini-Roadtrip durch Bern. Die Protagonist:innen Erika, Sam und Obada nehmen die beiden Filmemacherinnen mit an ihre Familientische und an weitere zentrale Orte ihres Lebens, die, wenngleich in unmittelbarer geografischer Nachbarschaft, in ganz anderen Welten zu liegen scheinen. Die sozialräumlichen Strukturen, in denen sich die Protagonist:innen bewegen, unterscheiden sich nicht nur voneinander, sondern auch von jenen der Filmemacherinnen. Beim Visionieren der Filmaufnahmen aus der Garage der freiwilligen Feuerwehr, dem Barbershop oder dem evangelischen Kirchgemeindehaus sprechen die Filmemacherinnen und Protagonist:innen gemeinsam über Komfortzonen, Vorurteile und die Möglichkeit von Freundschaft über die eigenen sozialen Kreise hinaus.
Wie kann ein In-Beziehung-Treten mit Pflanzen aussehen? Wonach streben Pflanzen, was sind ihre «Wünsche»? Welche Rolle kann ich in diesem Verhältnis einnehmen? Und inwiefern können Pflanzen und ihre Daseinsberechtigung als dem Menschen gleichwertig betrachtet werden? Salome Stadler beschäftigt sich in ihrer Masterthesis mit Positionen aus Kunst, Literatur und Philosophie, die sich aus unterschiedlichen Blickwinkeln der Frage der Bedeutung der Pflanzen in unserer Welt widmen. Die Erkenntnisse aus Stadlers theoretischen Untersuchungen fliessen zurück in ihre künstlerische Praxis; vor dem Hintergrund des angeeigneten Wissens und eigener Beobachtungen im Wald setzt sie sich im malerischen Prozess mit ihren Bedürfnissen und Gefühlen gegenüber Pflanzen auseinander und versucht, mit ihnen in Beziehung zu treten.
In «Commoning Art Education» beschäftigt sich Yael Anders mit kritischen, feministischen und künstlerischen Ansätzen zu Commons und Commoning und transferiert diese in die Kunstvermittlung. Commoning wird dabei als partizipative, interdisziplinäre und experimentelle Herangehensweise verstanden, die einen Prozess ermöglicht, in dem alle Teilnehmenden ihr Wissen und ihre Perspektiven in Form und Inhalt eines Vermittlungsformats einbringen können. Diese Herangehensweise erprobte Anders in einem zweiwöchigen soziokulturellen Vermittlungsformat, in dessen Rahmen sie gemeinsam mit den Teilnehmenden urbane Commons, zum Beispiel Brachen, bespielte. Die im Zuge dieses Formats erhobenen Daten bilden den Grundstein für Anders’ Masterthesis, in der sie der Frage nachgeht, ob und wie Commoning in der Kunstvermittlung gelingen kann.
Ausgangslage von Adelina Ismailis Masterarbeit ist ein kollektiver Filmprozess im Rahmen eines soziokulturellen Projekts mit Kindern und Jugendlichen in Kosovo. Dabei zirkulierte eine Handkamera zwischen verschiedenen Personen und verwandelte sich von einem Dokumentationsinstrument in eine aktive Teilnehmerin, die durch ihre Präsenz die soziale Dynamik und die Interaktionen beeinflusste. Ismaili erforscht in ihrer Masterthesis filmisch und schriftlich die Situationen, in denen die Funktion der Kamera zwischen dokumentarischem Instrument und sozialem Katalysator oszilliert. Im Fokus stehen dabei unterschiedliche Momente und Ebenen des «Dazwischen» – etwa des Dazwischens von zwei Videoaufnahmen oder desjenigen von Kamera und Mensch.
Kunst ist Spiegel und Treiber gesellschaftlicher Transformationen. Inwiefern gilt dies auch für Kunstinstitutionen? In seiner Masterarbeit nimmt Ugo Pecoraio die Transformationspolitiken von Kunstinstitutionen in den Blick. Am Beispiel von Kunstmuseen zeigt er auf, dass Transformation in diesem Kontext häufig lediglich äusserlich auf der Ebene der Repräsentation stattfindet, während die internen institutionellen Strukturen unverändert bleiben: Hinter den Fassaden spektakulärer Neubauten und umgenutzter historischer Gebäude dominieren nach wie vor hierarchische Organisationsformen. Pecoraio fragt, wie Blockchain-Technologie und Dezentralisierte Autonome Organisationen so in die (künstlerische) Institutionskritik und Institutionsentwicklung integriert werden könnten, dass eine Transformation hin zu flacheren Hierarchien und gerechterer Machtverteilung in Kunstinstitutionen möglich wird.
Larissa Platz’s Master’s thesis is a speculative curatorial research project. Platz employs the visual essay format to create a piece where cosmologies are constellated, associations flow, and tools to subvert the regime of the gaze are tested. Focusing on Anito, an ambient ancestral spirit from around the island of Pongso No Tao in Taiwan, she positions minor deities and ancestral spirits within the predicament of Christianity and the paradoxes of modernity. Platz draws on Anito, who hovers between malevolence and friendliness, the dead and the living, to investigate how one can narrate something from the perspective of a liminal entity, and if one can write against artificial boundaries without reproducing them. In doing so, she sheds light on the apparent contradictions of modernity and lays out how resistance may unfold at sites of extraction, colonial expansion, and political ideology.
Immersion als die Erfahrung, vollständig in die Welt eines Films einzutauchen, spielt eine zentrale Rolle in der Wahrnehmung dieses Mediums. Die Zuschauenden sind vom Geschehen gefesselt und tief bewegt. Mit seiner Masterarbeit erkundet Daniel Gerzner die Kriterien und künstlerischen Techniken, die eine solche immersive Erfahrung fördern. Mittels einer Videomontage untersucht er, wie visuelle und auditive Elemente zusammenwirken, um eine Illusion der Unmittelbarkeit und Präsenz zu erzeugen. Dabei legt er den Fokus auf die Rolle der Sinnlichkeit und der Montage. Gerzners Untersuchung zielt darauf ab, ein tieferes Verständnis der dynamischen Interaktion zwischen Filmgestaltung und Zuschauer:innenerfahrung zu entwickeln und aufzuzeigen, wie gezielte Entscheidungen ein intensives Eintauchen in filmische Welten ermöglichen.
Olivia Büchel befasst sich in ihrer Masterthesis mit der emotionalen Dimension von gesellschaftlichen Krisensituationen und deren fehlenden Thematisierung in Institutionen. Ausgehend von Care- und Affekttheorien problematisiert sie den Mangel an Raum, der negativen Gefühlen in institutionellen Kontexten gegeben wird und fragt nach künstlerischen Strategien der Institutionskritik. Vor diesem Hintergrund setzt sie sich künstlerisch mit der Frage auseinander, wie Zuwendung zu sich selbst jenseits gesellschaftlicher und institutioneller Aufforderungen zur Selbstfürsorge realisierbar ist. Entstanden ist eine Rauminstallation, in der Gummibälle als Symbole für Fragen der Selbstwirksamkeit, der Verharmlosung, des Trostes und der Konfrontation im Kontext «institutioneller Positivkultur» spielerisch in Zusammenhang mit Erfahrungsberichten und Fotografien gebracht werden.