Mit den Auswirkungen des Klimawandels durch menschliche Aktivitäten verändern sich oder verschwinden Orte, lebende Organismen und menschliche Kulturen schneller, als dass sie katalogisiert werden können.
«Impermanent Earth» ist ein Kunstprojekt und digitales Archiv, das als Reaktion auf diese Veränderungen geschaffen worden ist und das die Lücken zwischen wissenschaftlicher Forschung, professionellem Journalismus und mündlicher Erzählung schliessen will. In diesem Projekt wird versucht, lokale Geschichten von sich verändernden Räumen über alle Medien hinweg zu sammeln, um das kollektive Gedächtnis zu bewahren.
Ausserdem möchte die Arbeit dazu anregen, über die sich verändernde Welt um uns herum nachzudenken. Je mehr Einträge gesammelt werden und je grösser das Projekt wird, desto besser sollten wir verstehen können, welche Auswirkungen der Klimawandel auf unser Leben hat, wie Menschen andernorts mit diesem Wandel umgehen und wie sie sich anpassen.
Ipragaz ist eine Unterregion in Batman, welche drei Stadtteile mit offiziellen Namen umfasst: Cudi, Petrol und Bayindir. Die Region ist nur eines der neuen Siedlungsgebiete, die im Zuge der schnellen und intensiven Binnenmigration aufgrund politischer Konflikte und des Industrialisierungsprozesses in den kurdischen Provinzen nach den 1960er-Jahren entstanden sind. Das wichtigste Merkmal dieser Viertel ist, dass sie für die Kurd:innen ein Übergangsgebiet für ihren Anpassungsprozess vom Landleben zum städtischen Leben waren. Diese Viertel bestehen aus sehr preisgünstigen Wohneinheiten, die mit traditionellem Wissen und der Erfahrung von Familien und Bauarbeitern errichtet worden sind, ohne professionelle Kenntnisse in Architektur und Städtebau.
So haben die eingewanderten Familien ihre kulturellen Codes, ihre Konsumgewohnheiten und ihren täglichen Lebensstil in das städtische Gefüge dieser Regionen eingebracht. In den Siedlungen ist eine einzigartige Ästhetik entstanden; sie sind zu Orten des sozialen und urbanen Gedächtnisses geworden, an denen viele kulturelle Elemente aus verschiedenen Regionen zusammengekommen sind und sich vermischt haben. Wissenschaftliche und künstlerische Studien über diese Stadtteile sind daher von entscheidender Bedeutung für das richtige Verständnis der kulturellen, sozialen, wirtschaftlichen und politischen Werte in den heutigen kurdischen Gesellschaften. In diesem Zusammenhang untersucht das Projekt «Ipragaz, The Neighborhood Expands Inward» die einzigartige Ästhetik, die in diesem Viertel entstanden ist.
How can I use my skills as a designer to stimulate change?
By taking a closer look at material agency in art education, this research aims to unlock the transformative powers of historical textile archives. By interlacing cognitive, sensory, and artistic approaches I am exploring strategies for museums to actively engage the public in current sustainability discourses and empower their audiences to co-author and design new stories for the future.
Die Arbeiten von Andreas Bertschi setzen sich mit Konventionen, Normalitäten und Normierungssystemen auseinander, deren Charakter er durch Medienverschiebungen und Deplatzierungen sichtbar macht. Er sucht nach Absurditäten oder Nebensächlichkeiten des Alltags und montiert neue Blicke auf diese. Die Masterarbeit ”Relativ stringent” umfasst eine Reihe von Arbeiten und eine Ausstellung.
Wie kann ich mich als freischaffende strategische Beraterin positionieren und Instrumente zur nachhaltigen Veränderung schaffen, um gezielt Impulse zu setzen und neues Denken zu verankern? (2022)
Diese Arbeit thematisiert die im Rahmen der Digitalisierung veränderten Anforderungen an die Führungs- und Teamebene von Unternehmen. Vor allem diese Personengruppen sind es, die bei der Verankerung von agilen und kreativen Denk- und Arbeitsweisen enabelt werden müssen, um VUCA nachhaltig zu begegnen. Mit dem Ziel, sich als freischaffende strategische Beraterin zu positionieren, nähert sie sich ihrem eigenen Beratungskonzept im Verlauf dieser Arbeit in drei Etappen: in Interviews mit Businesspartner:innen entwickelt sie ein Gespür für die Managementebene, in Interventionen mit Vertreter:innen der jungen Generation erspürt sie deren Puls und Nöte und in einen Design-Thinking-Workshop mit dem Team eines Architekturbüros erprobt sie die Anwendung ihres Coachings. Als Resultat legt sie ihr eigenes Coachingprofil vor.
Is a transdiciplinary project in which refugees design and guide city walks and workshops based on their cultural backgrounds, lived experiences and interests in Zurich. The walkshops are thought in a postcolonial framework; building its pillars on concepts of social equality and peace building.
Every city walkshop is a unique experience in which participants explore various outdoor and indoor spaces in Zurich that spark discussion on topics such as public space, equality, racism, gentrification, human rights, etc. Some of the visited locations can be asylum centres, “zwischennutzung” spaces, public parks, education centres, gentrifies neighbourhoods and more. During the walk, participants engage with artistic methods such as photography, film, drawing, storytelling to recognise and question their relation so the spaces and with fellow participants in the citywalk.
After the walk, participants gather in a location where the workshop part takes place. The workshop is hands-on, discussion led chance for participants to collaborate, interact with the photos, film, drawing or stories from their fellow participants and co-create their own map of Zurich. The project started as a response to the lack of information, education and opportunities for refugees and asylum seekers to enjoy public and private spaces in Zurich according to their own needs, interests and desires.
Natalia Sierra founded the campaign and education model PEACE TO THE PEOPLE! drawing from her own experiences as an exile Colombian artist living in Zurich with her family for over 6 years. She lived in refugee shelters in different cities in Switzerland, hearing first hand from fellow refugees about the frustration and struggles to make a sense of home in the places they were assigned to live.
Her transdisciplinary research for PEACE TO THE PEOPLE! involved topics such as: historical and social development of the public spaces in Zurich since the 20th century, artistic practices in social contexts, activism and human rights policies in the context of migration and fleeing and peace building approaches.
Fischaugen sollten beim Kauf einen schwarzen Glanz aufweisen. Sehen sie matt aus, als ob ein Schleier darüber liegen würde, ist es ein Hinweis dafür, dass der Fisch nicht mehr frisch ist und vom Kauf sollte abgeraten werden. Auch ist das Fischauge ein Objektiv, welches, währenddem es in der Skateboardkultur einen hohen Stellenwert hat, sonst einen eher zweifelhaften Ruf geniesst. Der Frage nachzugehen, wieso es für die
Skateboardfotografie so wichtig wurde und über vier Jahrzehnte – bis heute – deren Erscheinungsbild wesentlich prägte, stand am Anfang dieser Arbeit. Während des Studiums entwickelte ich ein Interesse am urbanen Raum, wie dieser von Skatern gelesen wird, und wie diese Lesart die Wahrnehmung desselben auch bei anderen Nutzer:innen verändern könnte. Das dynamische Wesen des Skateboarding und die bisweilen banale Architektur des öffentlichen Raums zu kontrastieren, stellt den Kern der Arbeit dar. Der dabei entstehende Zwischenraum steht zur Debatte und kann in einer Publikationsserie und einer Ausstellung erlebt werden. Im Idealfall entsteht daraus ein Dialog, welcher den wesentlichen und dabei auch transdisziplinären Charakter meiner Arbeit bildet. Maine Arbeit besteht aus zwei Teilen: einer Text- und einer fotografischen Arbeit.
With microphones attached to my hands and listening to the amplified touch through the headphones, I explore the hidden layers of the landscape. Inspired by the notion of « in-between » developed by sound artist and researcher Salomé Voegelin, the sonic textures created with this concept are highlighting relations normally existing in void and silence, without any touch. The point of connection, first thought as a sonic friction, can actually be explored with care and tenderness, questioning the consent of others. Trying to shift away from an anthropocentric listening position, I developed the concept of „eco-empathic listening“ in order to address the act of carefully listening to non-human and more-than-human beings. I caress with care the surfaces of rocks, lichens, barks and my own skin. With delicacy and attention, I try to welcome the otherness as an empathic extension of myself. Within the context of this master project, my main
research question is: How could eco-empathic listening informs an ecological sensibility by exploring (in)tangible otherness? « Otherness », in this context, is understood as the « more than human » living beings encountered with the affective and relational qualities produced by listening and touching.
How long have you not heard some stories of female elders?
My master's project is called Old Friends of Time in Fragrant Harbour. During my one-year study in Zurich, I could keep on working on my previous project as a continuity and on a bigger scale and think of the ideas and notions that I would like to transmit in this prospect. I aim to creating a unique view, share a message as an artist. The terms that I use are also important to convey this idea. My core research question is: How can the embodiment of intergenerational questions through a sensory experience bring the audience to reflect on communication problems and stereotyping between young people and elderly people?
Now, my master project is an transdisciplinary experience design project integrating video, sound, photography, pictures, performing interaction and experimental creative products (mainly smell soap). Also, the project is about valuing the stories and know-how of elderly women, about giving visibility and space to this not often heard narrative in the public space. Therefore, it is based on a co-creative process that I run together with six elderly woman from mainland China and Hong Kong, which I consider the co-author of this project. More importantly, I want to give a platform for under-represented elderly women to share their life stories in new and unexpected ways with the public. So I take the life stories of grandmothers as the creative background, use the medium of smell soap, and combine my own body to interact with soaps. With the passage of time, the friction of the body and the scouring of liquid, soap gradually changes from solid to liquid under various forms of consumption. These changes will make this work of art pull the author and audience into an instant state. The changes of social development, the transience and eternity of history complement each other, and the common experience with a female elder as a child. These will make the author and the audience put themselves into memories and experiences to complete a deeper reflection on their own identity cognition and current situation.
In this thesis, I construct lateness as a disobedient stance against the temporal domination by narratives of progress. Arguing that these narratives have played a significant role in, firstly, the making of global inequality and, secondly, the bringing forth of plantetary warming, lateness could offer a vocabulary to bridge both issues in the need for a fundamental reimagination of time. Intrinsic to the idea of progress is
the modern conception of time as unilinear, homogenous, and empty; but rather than seeing this as a natural characteristic of time, this thesis emphasizes its power-sustaining function. Against this imagination of time and the derived narrative of progress, lateness resists the synchronizing imperative to follow a normative path of development and embraces heterogeneity as the condition for commonality.
In a theoretical argument, I seize lateness from its negative connotation in the geopolitical context of development, where the so-called West is seen as ‘advanced’, ‘civilized’, and ‘timely’, while the Rest is imagined as ‘backward’, ‘uncivilized’, ‘belated’. Instead of regarding the command to catch-up, develop, and modernize as keys to a hopeful future, I argue that this rhetoric performs a demand for complacency against which lateness positions itself in undisciplined defiance. It is, therefore, a refusal to sustain the colonial mechanism of temporal difference that postulates a naturalized timeline of developmental progress in order to justify its expansionary and exploitative missions. This refusal, by not following the predetermined path towards the western civilizational model, also holds the possiblity for alternative ways of living and
conceptualizing the relationship between humans and nature that are vital to prevent the worst effects of climate change. I mainly discerned three types of lateness that are genealogically connected: a cultural symbol of subordination, an existential condition in the face of climate change, and a disobedient position towards temporal domination.
Ich arbeitete zusammen mit Co-autor Stefan Staubin und Produzent Noah Bohnert in den letzten 5 Jahren an einem Spielfilm WUNDE (Arbeitstitel), den wir im
Herbst 2022 drehen wollen. Ich thematisiere im Film das Andere im eigenen Körper, und wie sich dieses in der jugendlichen Suche nach Identität auf unheimliche
Weise manifestiert.
Logline
Der introvertierter Teenager Malik zieht sich während seines Landdiensteinsatzes eine seltsame Wunde zu. Lina, die gleichaltrige Tochter der Gastfamilie, entdeckt
die Wunde und sie beginnen sie gemeinsam zu erkunden. Was als eine faszinierende Art des Begehrens beginnt, kriegt schnell bedrohliche Züge – Lina und Malik
durchgehen eine Metamorphose, die sie für immer miteinander verbindet.
Die Wunde, die sich an den Körpern der beiden jungen Menschen auftut, zeigt die Fremdheit und gleichzeitige Vertrautheit jeglicher Körperlichkeit. Sie löst die
Körper der beiden Figuren an den Grenzen auf und eröffnet ein Portal zu Möglichkeiten, anders wahrzunehmen, neue Verbindungen einzugehen und neue
Zustände zu finden.
Das Individuum als unteilbare Entität vorgestellt, widerspiegelt ein bestimmtes, westliches Verständnis vom Selbst als klar nach aussen abgrenzbar. In WUNDE
versuche ich, von dieser Vorstellung abweichend, die wechselseitige Verwobenheit und Fragilität von Individuen und Umwelt zu betonen und auf eine fabulativen
und gleichzeitig verkörperten Art zu befragen.
Während der Ausarbeitung verschiedener Aspekte der Ästhetik des Filmes im Fokus. In diesem „Worlding“ - Prozess tauchten Fragestellungen, die in
herkömmlichen Filmproduktionsprozessen zu wenig Platz haben, denen ich aber undedingt nachgehen wollte. Ich wollte mich der erzählten Welt der WUNDE auf
eine mehr experimentelle und transdisziplinäre Weise nähern.
Ich widmete mich für meine Masterarbeit in verschiedenen Versuchsanordnungen diesen Fragen, die verschiedene Ebenen der sinnlichen Wahrnehmung
ansprechen und die Untersuchung verschiedener filmischer Ausdrucksformen erlauben. Ich versuchte mich damit einer Ästhetik des Sich-Im-Eigenen-Körper-
Fremd-Fühlens anzunähern und gab gleichzeitig der erzählten Welt von WUNDE Konturen.
Dafür habe ich mit verschiedenen Menschen zusammen gearbeitet, die den jeweiligen Fragen entsprechend besondere Erfahrungen in Wahrnehmung und
Audrucksmöglichkeiten mitbringen. Dabei entstand eine Palette von Ausdrucksformen und eine Sprache, mit der ich über die „Wunde“ sprechen kann.