“Slow Spicy Curatorial Practices” bestand aus einem Team aus Zürich und Hongkong, um Fragen, Dringlichkeiten und funktionierende kuratorische Praktiken zu formulieren, auszutauschen und mit anderen bestehenden oder zukünftigen Formaten und Räumen zu kooperieren. In Anlehnung an den etymologischen Sinn von “curate” (lat. curare - zu betreuen) versucht das Team, die Handlung von “taking care” auf die der Gastfreundschaft, des Teilens und der Fürsorge auszudehnen, um einen Raum der Zusammenarbeit zu ermöglichen.
Das Team vergleicht den Akt des Kunstmachens mit der Herstellung von Nahrungsmitteln — beides erfordert die Kombination und Verarbeitung von Zutaten, Handwerk und Traditionen, um zu experimentieren und etwas Neues zu schaffen; beides Praktiken, auf denen eine bestehende Kultur aufbauen muss.
Um eine gemeinsame Kultur zu finden, sie zu pflegen und zu teilen und zu pflegen, werden wir große Themen in einfache Zutaten zerlegen und mit ihnen arbeiten, wie beim Sauerteig (Mehl und Wasser). In der Vergangenheit bedeutete das Teilen von Sauerteig buchstäblich “Teilen einer Kultur”, von Mensch zu Mensch, von Knoten zu Netzwerk, von individuellen zu kollaborativen Verbindungen. Mit der Metapher eines Sauerteigs wirft das Team ein neues Licht auf das Kuratieren — ein Licht, das Ideen kollektiv wachsen lässt, über Disziplinen und Distanzen hinweg. Die Zusammenarbeit selbst basiert auf gemeinsamen Interessen. Jetzt fragen wir uns, wie wir solche Interessen produzieren können und mit welchen Themen können wir arbeiten?
Basierend auf der Gärung von Sauerteig teilte und entdeckte die Gruppe gemeinsame kulturelle Praktiken und Werte, lud Teilnehmende, Links und Aktionen ein, um die Zukunft zu pflegen und zu kuratieren (in Kunstprojekten oder anderswo). Kuratieren wird dann zur Form, wenn wir Ausstellungsformen produzieren — wir müssen uns auf Formate wie Displays, Performances, Exkursionen einigen. Wir stehen ganz am Anfang dessen, was am Ende ein Stück sein könnte, eine Form der Zusammenarbeit und des Austausches von entstehenden Themen, über die wir vorher noch nicht gesprochen oder nachgedacht haben. Beim Kuratieren geht es darum, zu tun und zu reflektieren, was getan werden muss.
«Projects for Marrakech – a Future with Tradition» ist eine interdisziplinäre und interkulturelle Zusammenarbeit zwischen Studierenden der École Supérieure des Arts Visuels Marrakesch und der ZHdK. Das Projekt baut auf traditionellem Kunsthandwerk in den Bereichen Textil, Schmuck, Leder, Holz und Metall auf. Besonderen Wert wird auf die Unterstützung von Kleinunternehmern, insbesondere von Frauen, bei ihren Initiativen zur Anpassung ihrer Arbeit an zeitgemässe Standards und Bedürfnisse gelegt. Die École Supérieure des Arts Visuels Marrakech wird vollständig von einer privaten Stiftung mit Sitz in der Schweiz finanziert.
Die Perspektiven einer langfristigen dreiseitigen Partnerschaft mit dieser Stiftung und der École Supérieure sind vielversprechend und haben zu beiderseitigem Nutzen geführt.
Hic et Nunc entwickelt interdisziplinäre Unterrichtsformate, welche der Frage unserer Verantwortung als Bürger*innen und Designer*innen im Zusammenhang mit der Migrationsbewegung nachgehen. Die an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK), im Kontext der Designausbildung und in Kooperation mit der Zürcher Fachorganisation AOZ entwickelten Kurse, bieten den Bachelor-Studierenden die Gelegenheit einer Begegnung mit den vielfältigen Herausforderungen im Kontext Migration zu begegnen, diese kritisch zu reflektieren, vor allem aber aber auch den unmittelbaren Impact ihres Handelns als Designer*innen zu erleben.
Hic et Nunc will aufzeigen, dass wir als Designer*innen, gemeinsam mit den unter uns lebenden Geflüchteten, deren – und damit auch unsere – Lebensumstände direkt, in der Praxis, hier und jetzt, verbessern können. Wir wollen uns mit den Auswirkungen der globalen Flüchtlingskrise aktiv handelnd auseinandersetzen und sie nicht als abstraktes Problem, sondern als Teil unserer eigenen Realität verstehen. Wir konfrontieren die theoretische Auseinandersetzung in der Komfortzone der Hochschule mit der direkten Begegnung mit einer real existierenden Notsituation in unserer unmittelbaren Umgebung – in unserem Fall in der Messehalle 9 in Oerlikon, einer temporären Wohnsiedlung für Geflüchtete der AOZ Zürich.
Seit 1. Februar 2019 verfügt Hic et Nunc unter dem Namen Officina über einen Raum auf dem Fogo Areal, um in Kooperation mit der Fachorganisation AOZ, der ZHdK und weiteren Kooperationspartnern neue Projekte zu entwickeln und durchzuführen.
Sin Currículo ist ein künstlerisches Bildungsexperiment, in welchem Art Education als eine Praxis der Freiheit gefasst wird. In Mexiko wird mit der lokalen Bevölkerung ein Workshop ohne vorbestimmte Inhalte realisiert, in dem die Probleme der Teilnehmer formuliert werden und dessen Auseinandersetzung über Dialog geschieht
“Design Lab Brazil - Learning from the Informal” schlug eine interdisziplinäre und interkulturelle Exkursion nach Brasilien im Jahr 2015 vor. Ziel war, alternative kreative Praktiken in einem urbanen (in)formalen Umfeld zu erforschen. Die Städte São Paulo und Rio de Janeiro wurden als Laboratorien ausgewählt, um diese Art von Design zu erforschen und Fragen nach ihrer Herkunft zu stellen: Was zeichnet sie aus, was ist ihr sozialer und ästhetischer Wert? Und wie kann dieser Ansatz zur heutigen Designpraxis und zum gegenwärtigen Denken beitragen?
Methoden:
Basierend auf Lucius Burckhardts Konzept vom Spazieren und unsichtbarer Gestaltung bestand der Ansatz der Exkursion darin, die Wahrnehmung der städtischen Umwelt zu hinterfragen, indem man in eine intensive Expedition durch unspektakuläre Orte im Zentrum und in den Randgebieten von São Paulo und Rio de Janeiro eintauchte. In einem kontinuierlichen Austausch verschiedener Denk- und Handlungsweisen innerhalb einer Gruppe von StudentInnen, Einheimischen und Experten (ArchitektInnen, DesignerInnen und FotografInnen) konnten wir unser Verständnis der informellen Kultur und Praxis erweitern und vertiefen.
Schlussfolgerung:
Im Jahr 2014 basierten 40 % der brasilianischen Wirtschaft auf informeller Arbeit. Im Bewusstsein der sozialen und wirtschaftlichen Probleme der Informalität verfolgte das Projekt die Idee, dass informelle Praktiken und Strategien ein Potenzial für einfache Innovationen und Bottom-up-Transformationen bergen. Abseits des unternehmerischen und standardisierten Kontextes können sie als treibende Kraft für soziales Empowerment, ökonomische Autonomie und kulturelle Vielfalt fungieren. Wie der Soziologe Manuel Castells feststellt, ist die Informalität kein Produkt, sondern ein Prozess, der sich ständig in einer Beziehung mit dem formalen System befindet, die sich ständig verändert und neu definiert, zum großen Teil in essentieller und abhängiger Weise. In diesem Sinne definierte “Design Lab Brazil - Learning from the Informal” den Begriff des informellen Designs, der sich auf informelle Ökonomie und informelle Architektur bezieht, als eine Designpraxis, die nicht nur ein kreativer Prozess ist, der aus existentiellen Bedürfnissen, prekären Bedingungen oder begrenzten ökonomischen Ressourcen entstanden ist, sondern auch materielles und technisches Wissen, echte Leistungen und große Vielfalt ausdrückt. Eine alternative Designpraxis, von der Designer lernen können.
Die Exkursion ist Teil eines laufenden Forschungsprojektes.
BORDERLAND
Die Grenze als Ort des ‚Eingedenken’ an der Schnittstelle von Theorie und künstlerischer Praxis
Ausgangslage der Auseinandersetzung ist ein persönliches Video, das an der Grenze zum Sinai (zw. Israel und Ägypten) gedreht wurde und die Frage nach einem Warum – die eine kritische Selbstbefragung mit impliziert – um den merkwürdigen Gestus an diese Grenze gefahren zu sein um sie zu erfahren, abzufahren und zu filmen, auf der Suche nach etwas noch unbestimmt Bestimmtem, besser zu verstehen. Dabei rückte eine Geschichte aus der eigenen Familie in den Fokus, die vom Tod des Grossvaters an dieser Grenze erzählt.
Die Befragung der Vergangenheit, deren Weiterwirken und Kontingenzen für eine alternative Gegenwart ist das, was in dieser Thesis an einer Schnittstelle von Theorie und künstlerischer Praxis unternommen wird. Dabei sind die zentralen Fragestellungen, welchen Beitrag Gegenwartskunst zu einem poststrukturalistischen Geschichtsverständnis leisten kann und worin ihr spezifisches Vermögen dazu liegt, im Sinne eines transdiziplinären Ansatzes zu lesen. Darin formuliert sich ein persönliches Anliegen, wonach eine gegenseitige Durchdringung von künstlerischer Praxis und theoretisch-kulturanalytischer Auseinandersetzung möglich wird. Über einen konzeptuellen Begriff von Walter Benjamin – dem ‚Eingedenken’ – den er in seinen Geschichtsthesen für die Geschichtsphilosophie säkularisiert, wird in dieser Arbeit der Versuch unternommen, ihn als Travelling Concept (Mieke Bal) für die Gegenwartskunst zu formulieren/aktualisieren und gleichzeitig die Wanderschaft (Kontextverschiebung) des Konzepts über einen Begriff des Bildes zu reflektieren.
Die als Teil dieser Arbeit entstandene multimediale Installation besteht aus fünf autonomen Werkteilen, die zueinander in Bezug stehen und auf unterschiedliche Weise die ‚Grenze’ als Ort von Geschichte(n) thematisieren – als physisch erfahrbaren Ort, als ‚Schauplatz’ der inszenierten Worte, als Nicht-Ort eines beredeten Schweigens. In diesem Zusammenhang stellt die Arbeit Fragen nach der (Un-)Möglichkeit von Autorschaft, nach der Bedingung der Bilder für das Historische und der Bedeutung des Historischen der Bilder für die Gegenwart. Die Auseinandersetzung vollzieht sich dabei entlang eines mikroskopischen und subjektiven Zugangs zu Vergangenheit, wobei das Archiv zum Handlungsfeld wird und das Gefundene notwendig Fragment bleibt.
Sich selbst in einem Archiv wiederzufinden um die eigene Geschichte nicht in Vergessenheit geraten zu lassen. Die Welt ist erzählt in Perspektiven, es gibt keine beschissenen Fotos, es gibt nur beschissene Perspektiven. Und dann stehst du da, erschöpft, vom Kontrast vergewaltigt, Bildopfer, am Ende der Vorstellung, weißt auch nicht, schlechte Erinnerung, die dich heimgesucht, dich niedergerannt hat.
Draußen ein Vier-Sterne-Hotel mit feiernden JournalistInnen und hinten raus tobt der Völkermord. Nur Kriegsfotografin Caro scheint diese sich absurd zuspitzende Situation ernst zu nehmen. Dahinter schläft Zürich.
Drinnen eine Bühne bespielt durch eine selbsternannte Performerin, die der Gesellschaft den wortwörtlichen Spiegel vorhält. Doch irgendetwas stimmt hier nicht in dieser Selbstreflexion.
Davor schläfst du.
Zwei Figuren in zwei völlig unterschiedlichen Welten und die gleichen Fragen: Wie hängt unser Blick auf Bilder mit deren Produktion zusammen? Was für eine Rolle nehmen wir in unserem System ein und wie tragen wir dazu bei es aufrecht zu erhalten? Und was ist eigentlich ein Weltbild?
230 Kinder aus 40 Nationen und ihre Lehrpersonen der Schule Altweg aus Zürich sangen 12 Lieder in 10 Sprachen. Begleitet wurden sie dabei von jungen Musikerinnen und Musikern in verschiedenen Formationen. Projizierte Bilder, Filme und Texte sowie Choregrafien der Kinder setzten die Lieder in Szene.
NI KANTAS! (esperanto für "wir singen") brachte die Verschiedenartigkeit von Menschen, Sprachen, Musik, Farben, Klängen und Bilder zum Ausdruck. Bachelorstudierende Musik und Bewegung haben in wöchentlichen Proben die Lieder und Choreografien mit allen Beteiligten einstudiert.
«Gestern abgebaut und morgen stempeln, aber heut’ sich amüsieren, vielleicht sogar noch mit lachendem Gesicht!»
Die Weltwirtschaftskrise ist auf dem Höhepunkt. Die Gesellschaft teilt sich in Gewinner und Verlierer. Nationalismus und Gewalt liegen in der Luft. Das Paar Kasimir und Karoline versucht sich zu amüsieren, was komplett schief läuft.
Das Praxisprojekt für die Ausstellung „Action!“ im Kunsthaus Zürich fand über die Dauer der Ausstellung (23.6.-30.7.2017) an vier Donnerstagen statt. Das Projekt wurde von Nadja Aebi, Seline Flüscher und Marion Malin, Studentinnen der Vertiefung Curatorial Studies, konzipiert und realisiert, Mentorin war Hannah Horst. Das partizipative Format bot eine vielfältige Auswahl von Anregungen an, wie Besucher_innen die Ausstellung aktiv und performativ erleben können. Gesprächsrunden und Workshops, die an den jeweiligen Abenden stattfanden, luden ein, über Performance- und Aktionskunst zu diskutieren und subjektive Erfahrungen einfliessen zu lassen.
Take A Map and Get Lost entstand im Rahmen des MA Art Education Curatorial Studies an der Zürcher Hochschule der Künste. Lernziel des Moduls ist das Austesten und Erweitern von bestehenden Vermittlungsformate. Das Konzept greift die Thematik der Ausstellung auf, denkt sie weiter und verhandelt sie. Das Projekt bietet eine vielfältige Auswahl von Anregungen an, wie sie als BesucherIn die Ausstellung aktiv und anders als gewöhnlich erleben können. An den Anlässen am Abend haben die BesucherInnen die Gelegenheit über Performance- und Aktionskunst zu diskutieren und ihre Erfahrung einfliessen zu lassen. In einer Vermittlungsbox werden die Anregungen bereitgestellt.
Do., 29. Juni 2017
Publikum als Thermostat. Eine geführte Gesprächsrunde mit Stefan Wagner
Was hat Googles Kauf eines Thermostat-Herstellers 2014 mit einer Führung im Kunsthaus gemein? Auf den ersten Blick nichts und doch sehr vieles. Wir leben im Zeitalter des Feedbacks: Konstantes aufzeichnen und wiedergeben, interpretieren und neu formulieren. Eines dieser Symptome der Feedbackkultur ist der Fragebogen. Beständig wird man aufgefordert seine Meinung beizutragen, über Produkte Urteile abzugeben, unsere Innerstes auszuschütten. Der Kunde erscheint als König in der gegenwärtigen Konsumkultur, zu der auch die Kulturinstitution zählen und doch stellen sich immer mehr Fragen zu dieser Kultur. Lässt sich dieses immer wiederkehrende Echo durchbrechen oder nicht? Wollen wir überhaupt aus der Feedbackschlaufe heraus? Was bedeutet es in dieser Thermostatgesellschaft Kunst zu betrachten und warum müssen wir ständig mitmachen?
Do., 6. Juli 2017
Der Reflexive Kreis mit Søren Berner
Der Künstler Søren Berner versucht gemeinsam mit dem Publikum eine Metaebene von der Feedbackkultur zu erreichen. Sozusagen Feedback feedzubacken. Oder: mögliche Fragen zu (noch) nicht erlebten Erlebnissen zu formulieren und mit möglichen Antworten zu beantworten. Das ist verwirrend? Die Veranstaltung versteht sich einerseits als Aufbereitung oder Pendant zu der von Stefan Wagner geführten Gesprächsrunde "Das Publikum als Thermostat" vom 29. Juni und verfolgt die Aufarbeitung der Feedbacks ebenjener Sitzung, anderseits als ein Versuch „Yard“ von Allan Kaprow – reinvented von San Keller als Analysemodell zu verwenden.