Wasser fliesst, läuft, gleitet. Wasser bewegt, vernebelt, entreisst. Wasser löscht, stillt, reinigt. Die Schweiz ist ein Land des Wassers, der Flüsse. Doch so selbstverständlich für uns Wasser ist, so winzig ist unser Bewusstsein dafür, was es uns alles ermöglicht hat. Und dafür, dass wir ihm Sorge tragen müssen, wenn der Fluss des Lebens nicht schon bald austrocknen soll. FLUSSFRAGMENTE setzt die Kraft des Wassers ins Zentrum, hinterfragt sein Wesen, inszeniert es in fliessenden Übergängen: Sprache und Bild, Licht und Klang, Tanz und Wasser. Ein visueller Prolog auf Instagram, eine Live- Performance und ein Podcast verbinden sich zu einer dreiteiligen Inszenierung.
Die Kammer des Pfauen verwandelt sich vier Tage lang in einen Recyclingarchivmagen und erlaubt das Wiederkauen von alten Arbeiten. Vergangene Projekte aus einer staubigen Estrichkiste werden gezeigt und in einen neuen Kontext gebracht. Eine Wiedergeburt von 15 Projekten der
Vergangenheit ins Jetzt und eine mögliche Zukunft. Vier Abende, vier Verdauungsvorgänge, viermal ein neues Erlebnis im Recycling-Keller. Konzerte, Performances, Installationen, Comedy, Dance, Video, Soundscapes und ein Raum voller Fundusmaterial, der alles verbindet und widerkäut.
Angst ist das vorherrschende Gefühl unserer Zeit. Viele unserer Gedanken und Handlungen werden von Angst beeinflusst. Aber: Wie fühlt sich Angst an? Wie ist es mit der Angst in einen Dialog zu treten? Wie kann Angst durch Sprache sicht- und fassbar gemacht werden? Welche Ängste haben junge Kunststudierende?
Im Rahmen dieses Projekts sind eine Videoinstallation und verschiedene Texte (Gedichte und dramatische Texte) entstanden, die in einem Ausstellungssetting gezeigt und performativ in Szene gesetzt werden.
Vier junge Menschen erzählen an einem Abend die Geschichte zweier befreundeter, alter Ehepaare. Doch mit einem Geständnis am Sterbebett wird Wahrheit zur Lüge und Lüge zur Wahrheit. Erinnerungen tauchen wieder auf und Vorstellungen über das Leben verschwinden. Vielleicht war alles einfach nur eine Illusion. Die grosse Liebe ein Irrtum, das ganze Leben ein Betrug?
Hat man das falsche Leben gelebt? Was ist überhaupt Liebe? Und was haben UFOs damit auf sich?
Iwan Wyrypajews Illusionen lädt zu einem Verwirrspiel ein, in der es gilt, sich selbst von einer Illusion zu befreien.
Der Roman «Lolita» von Nabokov hat seit seiner Veröffentlichung in den 50er Jahren tiefe Abdrücke hinterlassen. Der Begriff Lolita stellt ein Bild der Verführung, des Begehrens und des Tabus her, anhand welchem Übermächtigung und Schuld immer wieder neu verhandelt werden. In dieser Arbeit werden (Selbst)inszenierungen betrachtet, die zwischen Täterschaft und Opferschaft bestehen, sich überlagern und überschreiben. Welche Bilder und Erzählungen produziert das Begehren, welche Illusionen erlauben wir uns hinsichtlich der Liebe?
Mit meiner Arbeit möchte mich von der leider noch verbreiteten Ästhetik der diskriminierenden und durch das Label «Komik» oft delegitimierenden Comedy entfernen.
Wie kann Comedy politisch, lehrreich und lustig sein und nicht auf Kosten anderer passieren.
Eigentlich ist das gar nicht so schwer.
Dafür habe ich mich in meiner eigenen Arbeit mit Geschlechterrollen und Geschlechteridentifikation beschäftigt. Warum dachte ich immer, dass meine Klitoris irgendwann ein Penis wird und warum rasieren Männer sich nicht die Arschritze?
„Heute morgen, kurz vor Sonnenaufgang, stand ein Hirsch vor meinem Fenster, in einem Nebel, der so dicht und hell war, dass der zweite Hirsch, nicht weit entfernt, aussah wie der unvollendete Schatten des ersten. Du kannst ihn ausmalen. Du kannst ihn ‚die Geschichte der Erinnerung‘ nennen.“ Ich habe dieses Zitat ausgewählt, da es für mich den durch Kunst bespielbaren Raum treffend und gleichzeitig poetisch beschreibt. Auf dem Titelbild sehen wir Frida Kahlos La Venadita (Das kleine Reh), auch bekannt als The wounded deer (Der verwundete Hirsch), in dem sie sich selbst als von Pfeilen verwundeten Hirsch mit ihrem Kopf darstellt. Es ist ein anschauliches Beispiel für Selbstdarstellung und Formen der Darstellung des eigenen Innenlebens, in diesem Fall der eigenen Verwundbarkeit. Es passt sehr gut zu dieser Arbeit, in der es um eine bestimmte Form des persönlichen Ausdrucks geht – autofiktionales Schreiben und den Einfluss auf die Konstruktion von Selbstporträts. Ich werde versuchen zu erklären, wie ich es nutze, um mich für mich selbst, aber auch für andere verständlich zu machen.
Das Thema Autofiktionalität im Theater interessiert mich sehr, da der Grat zwischen privat und persönlich sehr schmal ist und mein Erleben, dass Privates auf der Bühne häufig umstritten ist. Mich hingegen bewegt und fasziniert es, wenn ich autobiografische Geschichten auf der Bühne sehe. Den Mut aufzubringen, mit seiner eigenen Geschichte physisch dazustehen und das gleichzeitig künstlerisch zu übersetzen, sehe ich als große Herausforderung. Ich gehe davon aus, dass sich autofiktionales Schreiben bzw. die künstlerische Auseinandersetzung mit autofiktionalen Texten dazu eignet, Fragen zu Autobiografie und der Konstruktion des Selbstbildes, das von anderen rezipiert wird und so deren Wahrnehmung mitprägt, zu bearbeiten. Und dass die Umsetzung im Theaterkontext wichtige Auswirkungen auf die Verarbeitung von persönlichen Erfahrungen und die Reflexion über dieselben hat. Deshalb versuche ich im Folgenden herauszufinden, was Autofiktionalität für Potenziale in Bezug auf die Freiheit und Erkennung des persönlichen Verständnisses und Ausdrucks hat.
Ein Mensch im Raum ist auf der Suche nach dem titelgebenden Kern, steht aber einem „Nichts“ gegenüber, das gefüllt ist mit u.a. Gegenständen, Kleidern und Mustern. Mit diesen und durch diese unternimmt der Mensch Versuche, Verbindung aufzubauen: Zu sich selbst, der eigenen Ich-Konstruktion und den Menschen, die diese Suche beobachten. Während des Probens wurde eine assoziative Dramaturgie entwickelt: Der Weg durch die Performance findet sich im Moment, intuitiv konzipierend im Raum über die Zeit. Dabei werden Themen wie Isolation, Erinnerung, Identität, Wurzeln & Familie behandelt.
Diese Bachelorarbeit ist das Resultat meiner persönlichen Auseinandersetzung mit dem
Thema Diskriminierung und der daraus entstandenen Reflexion meines eigenen Privilegs
als weisser Cis-Mann. Aus diesem Grund habe ich Grossteile der Arbeit aus
der Ich-Perspektive geschrieben, da viele Teile auf meinen eigenen
Erfahrungen und Gedanken basiert. Ich beziehe mich vor allem auf den Bereich, der mir
am vertrautesten ist: Die Theaterwelt.
Vernetzung von Schauspielmethoden und therapeutischen Interventionen in der Kinder- und Jugendlichenpsychotherapie am Beispiel des störungsübergreifenden
Gruppentherapieprogramm FESSKO
Der COSMIC ROOM ist ein Kommunikationsversuch von Moritz Sauer und Team: Wie können der Dominanzgesellschaft* Erfahrungen von Queerness** nahegebracht werden? In der immersiven Performance bauen die Performenden zu der einzigen zuschauenden Person eine sinnliche Beziehung auf. In der Dunkelheit erlebt diese unterschiedliche Seinszustände, die queeres Erleben kennzeichnen können. Durch das Teilen von Ausgrenzungserfahrungen Marginalisierter wird der Raum zum kosmischen Raum queerer Utopien erhellt. Denn nur, wenn wir voneinander wissen, können wir auch aufeinander achten.
COSMIC ROOM ist ein offener Prozess, der an der Dampfzentrale Bern begonnen und am Tanzhaus Zürich weitergeführt wurde.
*Der Autor Max Czollek ersetzt den Begriff Mehrheitsgesellschaft mit diesem, um zu zeigen, dass es sich nicht um eine Mehrheit, sondern um eine kulturell dominante Gruppe handelt, die Ausgrenzungsmechanismen kreiert.
**Der Begriff Queerness wird hier als Sammelbegriff für LGBTIQA*+Personen benutzt und inkludiert auch race, class und unterschiedliche Formen von ability.
In diesem Projekt haben vier junge Frauen an ihrem Stammtisch den aktuellen feministischen Diskurs verhandelt die gemeinsame Basis war der „Stammtisch“. Mittels Bewegung, Sprache und Interaktion mit dem Publikum wurden steile Thesen entworfen & verworfen, politische Aktionen geplant (und umgesetzt) und sich innerhalb der Gruppe mit Meinungsverschiedenheiten auseinandergesetzt. Dieser Prozess, mit all seinen Widersprüchlichkeiten, wurde von den vier Spielerinnen in einer Aneinanderreihung von szenischen und atmosphärischen Ereignissen sichtbar gemacht.