Was bedeutet es heute, «employer of choice» zu sein? Die Autorin nimmt die hohe Anzahl offener Stellen der Möbel Pfister AG zum Anlass, der Attraktivität ihres Arbeitsgebers aus designstrategischer Perspektive auf die Spur zu gehen. Mittels Recherche, qualitativer Interviews und Workshops erörtert sie die Bedürfnisse der Arbeitnehmenden von heute und engt in der Konsequenz ihre Problemstellung auf Personalentwicklung und -förderung ein. Angereichert um Best-Practice-Beispiele testet und entwirft die Autorin einen prototypischen, auf Pfister zugeschnittenen Personalentwicklungsprozess. Dieser erlaubt auch jene Mitarbeitenden langfristig ans Unternehmen zu binden, die nicht zwingend befördert werden wollen. Als Resultat legt sie einige Prototypen aus diesem Prozess vor: den Peer-to-Peer-Workshop, das Upward-Feedback und den Semester-Talk.
Ausgangslage dieser Arbeit bildet die als instabil empfundene holokratische Organisationsform der Marketing- und Kommunikationsagentur Feinheit. Die Mitarbeiterin und Autorin identifiziert das Phänomen Unternehmenskultur als stabilisierenden Faktor in der Holokratie, die keine Vehikel zur Kulturgestaltung mitliefert. So untersucht sie, wie Unternehmenskultur ausprobiert und gestaltet werden kann und erhebt mit einem Methodenmix die Soll- und Istkultur. Ferner exploriert sie in diversen Interventionen die Umsetzbarkeit und Akzeptanz von Vehikeln zur Kulturgestaltung. Ihr Fazit: Insbesondere das Meetingformat Salon gibt Raum, in dem Spannungen verhandelt und Kulturentwicklung befördert werden kann. Die Autorin legt die auf andere Unternehmen übertragbare Moderationskarte für dieses Meetingformat als praktisches Resultat vor.
Wie können heutige, also ab 2010 geborene Kinder der Generation Alpha, (besser) auf die eigene Mediennutzung vorbereitet werden? Entscheidend ist, so stellt der Autor fest, dass sich die Eltern von 0–4-Jährigen eingehend mit der eigenen Medienkompetenz auseinandersetzen, um ihre Kinder diesbezüglich gut begleiten zu können. Im iterativen Vorgehen eines Strategischen Designers entwickelt der Autor anhand von Gesprächen mit Expert:innen sowie mit Eltern Resultate, die zur Reflexion der eigenen Mediennutzung, aber auch zu ihrer Verantwortlichkeit als Eltern anregen: zehn Thesen, drei Personas, Interventionskonzepte, Memes sowie eine Empfehlung zur Anwendung von Service Design ergeben sich aus der Arbeit. Gleichsam reflektiert der Autor sein Agieren in einem selbstständigen Projekt als Strategischer Designer.
We are happy to announce their first exhibition, "I am Santa Sangre.-" by Sabrina Röthlisberger Belkacem, who lives and works in Geneva. Her work takes the form of videos, performances, installations, and texts that address the links between science and death, power and survival. She weaves a rhizome of references from art history to pop-culture, relating to her own reality and social experience.
Santa Sangre is a mysterious creature torn in eight songs; it's a quest for acceptance; it's time to follow a path often left abandoned. The opportunity to question our relationship to reality in a world where appearance matters more than anything. An open-air fairy tale or a magnificent materialization of the fall of an empire, of a civilization, Santa Sangre metaphorizes death and transformation.
Aus persönlicher Betroffenheit und im Rahmen ihrer Vermittlungsarbeit im Museum begann Beate Frommelt, Bild- und Zeichenkurse für demente Personen zu entwickeln. Die Erfahrungen in den Kursen ermutigten und motivierten sie, das Konzept stetig weiterzuentwickeln und zu reflektieren. In einem ersten Teil ihrer Masterarbeit legt sie dar, aus welchen Beobachtungen und Begebenheiten die Motivation für die Kursentwicklung entstand. So wird beschrieben, dass sich über die Bildbetrachtung, aber auch im eigenen bildnerischen Tun, für Menschen mit Demenz verloren geglaubte Erinnerungsräume auftun und neue Möglichkeiten der Kommunikation erschliessen lassen. Basierend auf Beobachtungen und Erfahrungen aus den Kursen und mithilfe kunstpädagogischer Theorie sucht die Arbeit nach Kriterien, anhand derer entsprechende Kursprogramme entwickelt werden können. Die Arbeit ist auch mit dem Anliegen verbunden, die Untersuchungsergebnisse modellhaft für entsprechende Vermittlungsprogramme zugänglich zu machen.
Mentorat: Katrin Luchsinger, Bernadett Settele, Christian Vetter
Ausgehend von ihrer eigenen malerischen Praxis und ihrer damit verbundenen Faszination für Milton Avery (1885-1965) untersucht Amina Giger, wie sich das Werk des amerikanischen Künstlers im Kunstkanon verorten lässt. Avery ist bekannt für seine überraschenden Farbkombinationen und flächige Malweise, die sich einer Einordbarkeit sowohl zur abstrakten Kunst als auch zum Realismus entzieht. Sein vielfältiges Oeuvre ermöglicht eine Auseinandersetzung mit unterschiedlichen Kunstrichtungen und Diskursenwie der impressionistischen Landschaftsmalerei, der amerikanischen Volkskunst, dem Realismus oder dem abstrakten Expressionismus. Dabei werden sowohl Parallelen als auch Differenzen zu anderen Kunstschaffenden seiner Zeit aufgezeigt. Dies geschieht anhand von Vergleichen von Averys Werk mit Bildern seiner Zeitgenoss:innen. Der gestalterische Teil der Arbeit ergänzt die schriftliche Auseinandersetzung auf der malerischen Ebene. Amina Giger sucht in ihren Bildern den Kippmoment zwischen Darstellung und Abstraktion, zwischen Figur und Fläche.
Die Arbeit untersucht die Relevanz und das Potenzial kollaborativer Improvisations-Strategien für die Kunstpädagogik. Ausgehend vom und mithilfe des musikalischen Improvisationsverständnisses von Peter Niklas Wilson wird gemeinsame Improvisation als soziale Praxis befragt, die Handlungsmöglichkeiten im Umgang mit komplexen gesellschaftlichen Herausforderungen und kulturellen und digitalen Transformationsprozessen zu bieten vermag. Inwiefern könnten daraus abgeleitete Konzepte für die Kunstpädagogik produktiv gemacht werden? Kann ein improvisatorischer Modus gemeinsamen Denkens und Handelns neue Lern- und Bildungsmethoden mit sich bringen? Die Arbeit sucht über kunsttheoretische, -pädagogische und ästhetische Konzepte zu Teilhabe und Kollaboration nach Antworten.
Meditation, schamanische Naturrituale und Yoga: Spiritualität ist längst in der Mitte der Gesellschaft angekommen. Die Masterarbeit von Tobias Söldi geht dem Phänomen in vier journalistischen Porträts nach. Da ist der privilegierte Sohn aus gutem Hause, der nach einer LSD-Erfahrung zuerst zum Hippie und dann zum Zen-Meister wurde. Da ist der reformierte Pfarrer, der sich als Eremit im Kloster, als Obdachloser auf der Strasse und als Einsiedler im Wald auf die Suche nach dem Göttlichen gemacht hat. Da ist die schamanisch arbeitende Therapeutin in einer Welt voller beseelter Gegenstände, verstorbener Ahnen und unsichtbarer Energien. Und da ist der Jesuiten-Priester und Zen-Meister, für den budddhistische Meditation und katholische Eucharistie nahtlos mit einander verbunden sind. Die vier Porträts geben einen Einblick in die Biografien, Gedankenwelten und Wirkstätten ihrer Protagonist:innen, die trotz ihrer Unterschiedlichkeit immer wieder überraschende Parallelen aufweisen.
Die Deutschschweiz hat eine grosse Dichte an Künstler:innen, die Musik für Kinder produzieren. Die Szene ist dynamisch. Beinahe jährlich kommen neue Künstler:innen dazu, einige machen nur ein Album und widmen sich dann wieder anderen Projekten. Divers ist auch die Vermarktung: Während einige (vor allem Männer) auf grossen Festivalbühnen auftreten und auf Spotify präsent sind, muss man bei anderen (vor allem Frauen) ganz genau wissen, wo suchen. Nina Gehrigs Thesis ist ein Podcast, der Eltern, Lehrpersonen und allen anderen, die sich für Kindermusik interessieren, helfen soll, interessante Musik zu finden. Ihre Gespräche mit Künstler:innen drehen sich um deren Musik und die Beweggründe, die zur Entstehung Ihrer Lieder führten. Für die fünf vorliegenden Podcast-Folgen wurden mit Sibylle Aeberli, Sarah Laupper, Eva Zihlmann, Jaël Malli, sowie Laurent Aeberli & Max Kämmerling Künstler:innen ausgewählt, die verschiedene Zugänge, Erfahrungshintergründe, Musikstile und auch Geschlechter vertreten.
Diese Masterarbeit liefert die Basis zur Konzeption einer Plattform für digitale Vermittlungsangebote von Filmfestivals für Kinder und Jugendliche, wobei der Schulkontext im Vordergrund steht. Ausgehend von einer grundsätzlichen Auseinandersetzung mit den Themenfeldern Digitalisierung und Kulturvermittlung werden derzeit vorhandene analoge wie digitale Vermittlungsangebote für Kinder und Jugendliche der neun wichtigsten Filmfestivals der Schweiz vorgestellt. Die skizzenhafte Konzeption der Plattform wird methodisch durch das Digital Engagement Framework abgestützt. Den Abschluss bilden ein Fazit sowie Ausblick auf die weiteren Schritte in der praktischen Umsetzung der möglichen Implementierung einer solchen Plattform.
Nanuschka Bolekis Masterarbeit setzt sich in Form von literarischen Texten mit dem Thema Angst und Unheimlichkeit in der Stadt auseinander. In den sieben Texten wird das Spannungsfeld des urbanen öffentlichen Raumes untersucht: Was ist Angst im öffentlichen Raum und an welchen Orten manifestiert sie sich ins Erlebbare? Die von der Popkultur produzierten und reproduzierten Angstbilder einer Stadt – die Stadt als Ort des Verbrechens, der düsteren und zwielichtigen Gestalten, der bedrohlichen Anonymität – prägen unsere Wahrnehmung. Die subjektive, ästhetische Erfahrung von Stadt ist nicht nur von ihrem Erscheinungsbild, sondern auch stark von der eigenen Identität abhängig. So ist die düstere Tiefgarage unheimlicher je nach Geschlecht, der Bahnhof unangenehmer je nach sozialer Herkunft und das Navigieren durch die Stadt und ihre Menschen gefährlicher je nach Alter. Die Masterarbeit von Nanuschka Boleki ist ein Versuch, sich durch semifiktionale Texte mit realen Schauplätzen an eine schwer zu definierende Emotion anzunähern, und dabei das Unheimliche im Urbanen Raum für die lesende Person erfahrbar zu machen.
Raffaela Kolb geht in ihrer Masterarbeit polemisch ihrer inneren Zerrissenheit auf den Grund: ihre Lust an Popmusik, die ihr unter anderem Möglichkeiten geboten hat, sich von einer mädchenhaften Sozialisation abzugrenzen, trifft auf die Auffassung von Pop als Teil der kapitalistischen und patriarchalen Verhältnissen. Und weiter noch: In der Auseinandersetzung mit ihrer Arbeitspraxis reflektiert sie selbstkritisch, ob sie selbst einen vermarktbaren, verwässerten (Pop-)Feminismus instrumentalisiert, der von den Forderungen nach Gleichstellung, Emanzipation und nach gesellschaftlichem Wandel abgekommen ist. Sie begibt sich in ihrem Essay auf die Suche nach subversivem Potential im Pop und macht die Begriffe Schuldbewusstsein und Lustempfinden, welche sich zunächst diametral entgegenzustehen scheinen, als kritische Dimensionen dialektisch und produktiv nutzbar.