Ziel des Praxisprojektes ist es, basierend auf der Idee des Netzwerkmuseums einen «Dritten Ort» im neu zu schaffenden Entréebereich des GRASSI Museum für Völkerkunde zu Leipzig als multifunktionalen und flexiblen Multiplikator*innenraum zu entwerfen. Der Willkommensraum zeigt das neue Gesicht des Museums und dient verschiedenen Akteur*innen aus unterschiedlichen Kontexten als Raum für eigene Projekte zwischen Ausstellungen, für Veranstaltungen oder als Community-Space. Die Umsetzung ist im Herbst 2022 geplant.
Ein Treibhaus als Richard-Wagner-Vermittlungsort
Vor und während der Festspiele Zürich präsentierte sich ein Treibhaus in der Zürcher Innenstadt als mobiler Richard-Wagner-Vermittlungsort. Das Projekt «Wagner im Schauhaus», in Kooperation zwischen den Festspielen Zürich und dem Master of Arts in Art Education, ausstellen & vermitteln der ZHdK entstanden, wollte Passanten Einblicke in Richard Wagners Leben und Werk geben, neugierig machen und zum Dialog auffordern. Die von Cristina Kaufmann, Alice McCabe und Sarah Uehlinger konzipierte Ausstellung war in wöchentlichen Etappen an fünf wechselnden Standorten zu sehen und entwickelte sich stetig weiter.
Unter dem Motto «Treibhaus Wagner» liessen die Festspiele Zürich 2013 eine Werkstatt entstehen, in der in den unterschiedlichsten Darstellungsformen über Richard Wagner und seine produktive Zürcher Zeit nachgedacht wurde. «Wagner im Schauhaus», hiess eines der Projekte – ein Treibhaus, das als rund zwölf Quadratmeter grosser, mobiler Richard-Wagner-Vermittlungsort diente. Mit dem Ausstellungskonzept wurden bewusst keine Wagner-Experten, sondern Nachwuchs-Kuratorinnen der Zürcher Hochschule der Künste betraut. Das Projektteam, Cristina Kaufmann, Alice McCabe und Sarah Uehlinger, hatte vor, auf kreative Weise nicht nur Wagner-Liebhaber, sondern insbesondere auch Personen anzusprechen, die nicht zum typischen Opernpublikum gehören und bisher kaum mit Richard Wagner und seinem Werk in Berührung gekommen waren. Wiederkehrende Besucher konnten das Wachstum der Ausstellung mitverfolgen und sich selbst in die Ausstellung einbringen.
Vom «Tristan-Akkord» zum Gesamtkunstwerk
Der Auftakt der Ausstellung trug den Titel «Tristan-Akkord» und war vom 10. bis 16. Juni an der Seepromenade beim Bellevue zu sehen. Der in Wagners «Tristan und Isolde» leitmotivisch verwendete Akkord entzieht sich wegen seiner harmonischen Undurchsichtigkeit einer einfachen, allgemein akzeptierten Deutung und gilt als Inbegriff der Dissonanz. Auch Richard Wagners Leben war voller Widersprüche. Sein Mäandern zwischen Heimatlosigkeit und grossem Freiheitsdrang, zwischen Geldnot, Luxusbedürfnis und der Rolle eines visionären Revolutionärs sowie seine antisemitische Haltung, wurden mittels Karikaturen veranschaulicht. Blieb das Anschauungsmaterial in der ersten Woche noch wortwörtlich an der Oberfläche (des Treibhauses) verhaftet, so öffnete sich das Schauhaus in den Folgewochen zu bestimmten Zeiten für eine vertiefte Auseinandersetzung mit dem Komponisten und seinem Werk. Vom 17. bis 23. Juni tauchten die Besucher auf dem Hechtplatz in eine Wagner-Wasser-Welt mit dem Titel «Richard Wagners Leitmotiv: das rauschende Wasser» ein. Hörproben aus seinem Werk wurden zu besuchten Landschaften, persönlichen Befindlichkeiten und Gefühlsstimmungen in Beziehung gesetzt. In der Woche vom 24. bis 30. Juni machte das Schauhaus am Limmatquai Wagners Vision des Gesamtkunstwerkes sinnlich erlebbar. Musik, Dichtung und Szenografie wurden in ihre Einzelteile zerlegt, um wieder in einem szenografischen Bild zusammenzufliessen.
Vom Schauhaus zum Lautsprecher der Stadt
Laufend fing das Projektteam die Meinung der Stadt über Richard Wagner, das Programm «Treibhaus Wagner» der Festspiele Zürich und das Projekt «Wagner im Schauhaus» im Besonderen ein und ergänzte damit die Inhalte des Schauhauses in der letzten Ausstellungsphase. An den Standorten Pestalozziwiese (1. bis 7. Juli) und Gessnerallee (8. bis 14. Juli) entwickelte sich das «Schauhaus Wagner» so zum Lautsprecher der Stadt und zum Spiegel des Verhältnisses ihrer Einwohner und Gäste zu dieser ebenso umstrittenen wie bewunderten Persönlichkeit, der Zürich einst Asyl gewährte. Inspiriert von Richard Wagners unbändigem Mitteilungsbedürfnis und Sendungsbewusstsein, erweitern die Studentinnen den Radius der Aufmerksamkeit mit einem begleitenden Blog und transportierten damit Richard Wagners Strategien der Selbstverwirklichung in die heutige Zeit. Nach einem grossen Finale am Festspielfest in der Gessnerallee verschwand das Schauhaus ebenso sang- und klanglos aus dem Stadtbild wie einst Wagner nach dem unrühmlichen Ende seiner Affäre mit Mathilde Wesendonck – hoffentlich jedoch nicht ohne Spuren in der Stadt hinterlassen zu haben.
Die Standorte:
10.–16. Juni Seepromenade beim Bellevue: «Tristan-Akkord»
17.–23. Juni Hechtplatz: «Richard Wagners Leitmotiv: das rauschende Wasser»
24.–30. Juni Limmatquai (beim Café Rathaus): «Gesamtkunstwerk: eine Vision»
1.–7. Juli Pestalozziwiese (bei Globus Bahnhofstrasse): «Das Schauhaus als Lautsprecher»
8.–14. Juli Gessnerallee Zürich (Innenhof): «Das Schauhaus als Lautsprecher»
Mentor/innen: Till Löffler, Alain Rappaport, Angeli Sachs, Luisa Ziaja
Importiert am
28.10.2016
Übergeordnete Sets
2
Set enthält
0 7
Studienreise Curatorial Studies nach Israel
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
Untertitel
7. - 15. April 2019
Beschreibung
Ein Bericht von Bruno Heller
Die Studienreise des Master Art Education Curatorial Studies nach Israel setzte sich mit Gedenkorten, Ausstellungen, Sammlungen, künstlerischen Positionen und Stadtprojekten auseinander und ging dabei der Frage nach, welche Rolle diese Orte, ihre Konzeption und Formate in Bezug auf die «kulturellen Identitäten» in Israel spielen. Das dichte Programm, das am 7. April in Jerusalem begann und am 15. April in Tel Aviv endete, bot dazu ein aussergewöhnliches Erfahrungsfeld. Der folgende Bericht geht auf drei Programmpunkte ein: (1) die Internationale Gedenkstätte Yad Yashem; (2) die Dauerausstellung «Israeli Art» im The Israel Museum; und (3) das Vermittlungsprojekt «Art Road to Peace» im Tel Aviv Museum of Art.
«Identität ist eine Erzählung vom Selbst (narrative); sie ist die Geschichte (story),
die wir uns vom Selbst erzählen, um zu erfahren, wer wir sind.»
Stuart Hall, in «Ethnizität: Identität und Differenz», 1999, S. 94
Gerade Gedenkorte oder Sammlungen, wie wir sie in Israel besuchten, sind an der Produktion und Herstellung von Identität in speziellem Masse beteiligt, da sie gewisse Erzählungen hervorheben und andere vernachlässigen oder sogar bewusst auslassen. Erzählungen sind an Erinnerung geknüpft und Erinnerung ist von besonderer Bedeutung für Identität und Integrität. Ob wir jemanden oder etwas erinnern, ist oft ein Zeichen dafür, ob uns eine Person oder Sache wichtig ist und wir uns um sie sorgen. Um so wichtiger war es, die verschiedenen Orte, die in Israel an dieser Bedeutungsproduktion beteiligt sind, selbst zu besuchen, mit involvierten Personen zu sprechen und als Gruppe – bestehend aus sieben Studierenden im Abschlussjahr und drei Begleitpersonen – über das Erlebte zu reflektieren. Doch selbst dann blieb die Frage nach «kulturellen Identitäten» äusserst anspruchsvoll, denn sie setzte einen gewissen Kenntnisstand in Bezug auf Israels konfliktreiche Geschichte, dessen heterogene Einwohnerstruktur und geografische Lage voraus. Nicht zuletzt aus diesem Grund waren wir sehr dankbar, dass die Reise gemeinsam mit dem Rabbiner Drs Edward van Voolen erarbeitet und durchgeführt wurde. Als Direktoriumsmitglied des Abraham Geiger Kollegs an der Universität Potsdam und als ehemaliger Kurator am Jüdischen Historischen Museum Amsterdam hat er zahlreiche Ausstellungen entwickelt und zu jüdischer Kunst, Kultur und Identität publiziert. In den Gesprächen wies er uns immer wieder auf unterschiedliche jüdische Identitätsentwürfe und ihren Wandel hin. Die Diskussion über museologische, kuratorische und vermittlerische Fragen wurde von der Leiterin des Master Art Education Curatorial Studies Prof. Angeli Sachs bereichert.
Braucht Erinnerung einen Ort?
Yad Vashem und das Holocaust History Museum
Der Tag nach der Anreise begann in der Strassenbahn, die quer durch Jerusalem führt und ausserhalb der Stadt am «Har Herzl» endet. «Har» bedeutet auf hebräisch Berg und «Har Herzl» verweist auf den berühmten Zionisten Theodor Herzl (1860-1903). Herzl hatte bereits Ende des 19. Jahrhunderts die Idee eines eigenen Staates für alle Jüdinnen und Juden, die irgendwo auf der Welt unter Druck stehen oder verfolgt werden. Bis heute prägen die Werte der zionistischen Idee die Debatte über das Selbstverständnis des Staates Israel. Auf dem «Har Herzl» befinden sich der Nationalfriedhof und mehrere Gedenkstätten, neben dem Grab Theodor Herzls (sein Leichnam wurde 1949 aus Wien geholt und hier neu beigesetzt) vor allem für jüdische Soldaten, die für die Unabhängigkeit Israels gekämpft haben. Eine Besonderheit bezüglich «Identität» ist der sogenannte «Connections Path» der zwischen dem Har Herzl und der Internationalen Gedenkstätte Yad Vashem verläuft. Auf einer Anzeigetafel wird der Weg folgendermassen beschrieben:
«The path leading from Yad Vashem to Har Herzl links the Holocaust commemoration site with the military cemetery, the national leaders burial site and Herzl’s grave. […] Passage along it is a symbolic voyage in time from Diaspora to the homeland of the Jewish people, from exile and destruction to a life of endeavor and hope in the State of Israel.»
Der eher unscheinbare und leicht zu begehende Weg entpuppte sich als begehbarer Zeitstrahl von der Zeit der Diaspora bis zur Staatsgründung Israels im Jahr 1948. Der Holocaust in Europa nimmt in dieser Entwicklung eine zentrale Rolle ein, denn er gab der zionistischen Idee weltweit Legitimität und beschleunigte ihre Umsetzung. Vom «Har Herzl» kommend liefen wir die Zeit rückwärts in Richtung Yad Vashem, auf dem westlichen Teil vom Herzl Berg, der passenderweise auch Har HaSikaron, Berg der Erinnerung heisst. Vom Weg aus war die Empfangshalle und dahinter das Holocaust History Museum zu sehen. Das nach oben spitzzulaufende, dreieckige Museumsgebäude bildet einen 180-Meter langen Riss durch den Hügel, was symbolisch für den katastrophalen Bruch im Judentum durch die Shoah interpretiert werden kann. Das Museum ist aus solidem Beton gebaut, ein seltenes Material in dieser Region, denn die meisten Gebäude sind aus sandfarbigem Dolomitstein.
Wir versammelten uns vor der Empfangshalle, um über die Gründungsmotivation der Gedenkstätte zu sprechen. Formell geht die Gründung der Gedenkstätte auf ein Gesetz zurück, welches Anfang der 1950er-Jahre im israelischen Parlament erlassen wurde. Dieses ist mit mehreren Aufgaben verbunden; eine Hauptaufgabe ist das Sammeln von Namen von Jüdinnen und Juden, die während der Shoah ermordet wurden. Dieser Gedanke steckt auch in den Worten «Yad» und «Vashem»:
«Ich will ihnen in meinem Hause und in meinen Mauern ein Denkmal (Yad) und einen Namen (Shem) geben […] der nicht vergehen soll» Jesaja 56.5.
Ein Ziel von Yad Vashem ist es, Jüdinnen und Juden als Menschen darzustellen, deren Identität die Nationalsozialisten im Namen ihrer faschistischen Ideologie zu vernichten suchten. Wie diese Erzählungen gesammelt, bewahrt und vermittelt werden, wird an der Gedenkstätte selbst beforscht, dazu wurden in den letzten Jahrzehnten mehrere Archive, ein eigenes Forschungszentrum und das Holocaust History Museum errichtet.
Am Eingang zum Museum trafen wir uns mit Nannie Beekman. Sie arbeitet für Yad Vashem in der Abteilung «The Righteous Among The Nations». Diese Abteilung betreut eine weitere Hauptaufgabe von Yad Vashem: es soll auch an die nichtjüdischen Menschen erinnert werden, die das Schicksal der Juden damals nicht gleichgültig hinnahmen, sondern ihnen auf vielfältige Weise zu helfen versuchten und dazu persönliche Risiken und Nachteile auf sich nahmen. «The Righteous Among The Nations» soll diesen Personen den Dank des Staates Israel vermitteln.
Nannie Beekman kennt das Holocaust History Museum bis ins Detail. Durch ihre Erzählungen fügte sie eine zusätzliche Leseebene in die dichte, historisch chronologische Ausstellung ein. Diese zeigt eine enorme Fülle an Bildmaterial und Exponaten aus der Zeit zwischen Hitlers Machtergreifung und dem Kriegsende 1945. Umso wichtiger war es, dass Nannie Beekman ihre Schlüsselexponate präzise auswählte und die Blicke der Gruppe auf bestimmte Fotografien und Objekte lenkte. Die durch die Architektur vorgegebene Besucherführung ermöglichte keine Auslassungen oder Abkürzungen. Nannie Beekman reagierte als Vermittlungsperson auf diese szenografische Vorgabe und führte uns bewusst zu gewissen Ausstellungsbereichen, wie zum Beispiel zu Zeitzeug*inneninterviews. Nach ihrer Führung sassen wir noch eine Weile gemeinsam unter einem Baum und diskutierten. Unter anderem kam dabei die Frage auf, was ein solch künstlich geschaffener Gedenkort leisten kann und soll, und an wen er gerichtet ist.
Welche Auswirkung hat Kunst auf die Gegenwart?
The Israel Museum, Dauerausstellung «Israeli Art»
Auf Grund seiner Grösse und Bedeutung als Nationalmuseum planten wir zwei halbe Tage im «The Israel Museum» im Programm ein. Der erste Tag, an dem wir das Museum besuchten, war kein gewöhnlicher Öffnungstag, denn am 9. April 2019 waren 4,5 Millionen Israelis zur Parlamentswahl aufgerufen. Viele Institutionen und Geschäfte waren geschlossen, das Nationalmuseum blieb jedoch bis zum Mittag geöffnet. Es befindet sich direkt neben der Knesset, dem israelischen Parlament. So fuhren die Studierenden am Wahltag ins Regierungsviertel, um im Museum eine individuelle Tour zum Thema «Identität» zu erarbeiten. Diese Übung stellte sich als eine ideale Vorbereitung für die Führung mit Dr. Amitai Mendelsohn am folgenden Tag heraus, er ist Leitender Kurator des David Orgler Departments für Israelische Kunst.
Amitai Mendelsohn empfing uns am Eingang zur Dauerausstellung «Israeli Art». Die Wahlergebnisse, die Benjamin Netanjahu vorläufig wieder zum Präsidenten machten, waren nur kurz ein Thema, denn dann führte uns Amitai Mendelsohn unter dem Titel «Re-thinking the canon of Israel Art» auf äusserst eindrückliche Weise durch die von ihm kuratierte Dauerausstellung. Zunächst warf er mehrere Fragen auf: Was bedeutet israelische Identität? Was sind die Grenzen einer kulturellen Identität? Ist die israelische Identität eine rein jüdische Identität? «Sicher nicht!» fügte er zügig hinzu. Welche Geschichte kann mit einer Sammlung erzählt werden? Hat eine Kunstsammlung eine Auswirkung auf die Gegenwart? Welches Licht wirft israelische Kunst auf israelisches Leben? Im Einleitungstext zur Dauerausstellung werden seine Fragen aufgegriffen:
«Israeli art has always found itself pulled in two conflicting directions: the need to address what was happening outside and the desire to focus on the autonomous concerns of art itself, of material, method, and definition. Moreover, it has developed in a complex context of socio-political tension, war, and bloodshed, a context in which it is impossible to separate everyday individual life from a collective history that enfolds the dreams and traumas and memories and mythologies of both Jews and Palestinians.»
In identitätspolitischen Statements wird gelegentlich auf Ereignisse oder Personen verwiesen, die Jahrzehnte oder Jahrhunderte vor unserer Zeit lebten. Inwiefern diese zeitlichen Kontinuitäten oder Diskontinuitäten unsere heutigen Identitätsvorstellungen prägen, ist sehr umstritten, denn sie sind immer an Machtstrukturen, territoriale Ansprüche und Meinungshoheiten geknüpft. Im Atrium vor der Dauerausstellung steht auf einem grauen Sockel eine Skulptur aus rötlich-braunem Sandstein. Der Figur fehlen die Beine, dadurch gleicht sie eher einem archäologischen Fund; sie ist nackt, hat markante Gesichtszüge und ein männliches Geschlechtsteil. Auf der rechten Schulter sitzt ein Falke. Ist das eine Verbindung zu Ägypten? Oder ein Verweis auf eine alte heidnische Welt? Auf dem Rücken der Skulptur ist ein Bogen gespannt, der in das Rückgrat übergeht. Ein Krieger?
Amitai Mendelsohn klärte uns auf. Bei der Skulptur handelt es sich um «Nimrod». Sie wurde vom Bildhauer Itzhak Danziger im Jahr 1939 aus nubischem Sandstein gehauen. Die Figur Nimrod war ein mächtiger Krieger, der sowohl in der Bibel, als auch im Tanach und im Koran erwähnt wird. Der hebräische Name bedeutet ins Deutsche übersetzt «der Widerstreitende» oder «Rebell». Nach jüdischer Überlieferung war Nimrod der Gründer des assyrischen und babylonischen Reiches. Ausserdem gilt er als derjenige, der den Bau des Turms von Babel anregte. Keine andere Skulptur in der Sammlung des Museums hat so starke Reaktionen hervorgerufen und für viele gilt sie als das bedeutsamste Werk in der Geschichte Israelischer Kunst. Beispielsweise wurde die Skulptur in den 1940er-Jahren zum Symbol der jüdischen identitätspolitischen Bewegung «Canaanism». Diese wollte eine hebräische Nation aufbauen, losgelöst von der jüdischen Vergangenheit, welche auch die arabische Bevölkerung im Nahen Osten umfassen würde. Für sie verkörperte die Skulptur so etwas wie einen Prototyp einer einheimischen Persönlichkeit und war ein Vorbild für ihre «imaginierte Gemeinschaft» der «neuen Hebräer» auf der Suche nach einer eigenen Identität. In den 1990er-Jahren wurde Nimrod häufig als Repräsentant einer postzionistischen Haltung interpretiert. Im Mittelpunkt dieser Haltungen stand die Überzeugung, Israel müsse angesichts der vielseitigen kulturellen, konfessionellen und nationalen Realitäten ein Staat für alle seine Bürgerinnen und Bürger werden und seinen Anspruch, ein jüdischer Staat zu sein, aufgeben.
Mit diesen einführenden Worten betraten wir die Dauerausausstellung und bleiben vor einem grösseren Gemälde stehen. Amitai Mendelsohn sagte, dass dieses Bild von ehemaligen Kuratoren im Israel Museum lange nicht in Ausstellungen gezeigt wurde. Er hängte es in der Dauerausstellung ins Zentrum. Es ist ein Gemälde aus dem Jahr 1951 von Naftali Bezem und trägt den Titel «To the Aid of the Seamen». Es bezieht sich auf einen Streik der Seeleute, der 1951 ausbrach und heftige Debatten über Israels Kibbuzim und ihre Unterstützung des Streiks auslöste. Naftali Bezem war zu dieser Zeit einer der wichtigsten sozialrealistischen Maler in der Region um Haifa. Diese sozialrealistischen Künstler*innen engagierten sich für die Arbeiterklasse, sie zeigten Klassenkonflikte und die sozialen Verhältnisse in den Anfängen des Staates Israel auf. Das Gemälde brachte uns thematisch wieder zurück zu den Wahlergebnissen. Bei den Knessetwahlen stürzte die Israelische Arbeiterpartei «Awoda» auf 4,45 % ab und erzielte damit das schlechteste Ergebnis ihrer Geschichte. Amitai Mendelsohns Entscheidung, sozialrealistische Maler zu zeigen, kann als ein Weckruf an die Gesellschaft interpretiert werden, sich jenseits von kultureller und religiöser Zugehörigkeit und populistischen Wahlkampfthemen für soziale Gerechtigkeit zu engagieren, um eine ethischen Gemeinschaft zu bilden, die durch Beziehungen gegenseitiger Sorge geprägt ist.
Kann Kunstvermittlung etwas bewirken?
Tel Aviv Museum of Art, «The Art Road to Peace»
Nach vier intensiven Tagen in Jerusalem fuhren wir mit dem Zug ins knapp 45 Minuten entfernte Tel Aviv – sozusagen vom religiösen ins kosmopolitische Zentrum Israels. Über die Differenzen dieser beiden Städte und die in die Stadtlandschaft eingeschriebenen «kulturellen Identitäten» könnten mehrere Berichte verfasst werden. Dieser letzte Abschnitt bezieht sich auf die Vermittlungsarbeit im Tel Aviv Museum of Art und das Projekt «The Art Road to Peace». Das Tel Aviv Museum of Art ist ein städtisches Museum und gilt als eine der führenden Kunst- und Kulturinstitutionen Israels. Der im Jahr 2011 eingeweihte Erweiterungsbau verdoppelte die Ausstellungsfläche des Museums. Im Museum wurden wir herzlich von Galit Landau-Epstein und Raafat Hattab in Empfang genommen und in einen Konferenzraum geführt. Galit Landau-Epstein ist Assistenzkuratorin in der Abteilung «Contemporary Art». In ihrer Präsentation gab sie uns einen Überblick in die verschiedenen Ausstellungen der letzten Jahre zu zeitgenössischer Kunst. Die Sammlung der Abteilung umfasst internationale Werke von Mitte des 19. Jahrhunderts bis zur Gegenwart.
Im Anschluss übernahm Raafat Hattab das Wort. Er ist Künstler und Kunstvermittler im Education Department und einer der wenigen Museumsangestellten, die sowohl Hebräisch als auch Arabisch sprechen. Raafat Hattab wuchs in Jaffa in einer muslimischen Familie auf, besuchte eine französische und eine jüdische Schule und schloss vor vier Jahren seinen Master in Fine Arts an der Bezalel Academy of Arts and Design ab. Er ist in besonderem Masse in das vermittlerische Projekt «The Art Road to Peace» involviert. Dieses organisiert Workshops für jüdische, muslimische und christliche Kinder und Jugendliche aus verschiedenen sozialen Schichten. Auf einer Folie, die er uns präsentierte, wird das Ziel des Projekts durch die Institution wie folgt beschrieben:
«The importance of cooperation between Arabs and Jews is clear, and we believe that bringing together members of these two communities, through art, will reduce stereotypes and prejudice. […] The Art Road to Peace is a specialized project focused on coexistence and making a change.»
Gegenstand der Vermittlung des «Art Road to Peace» Projekts ist die Kombination aus einer gemeinsamen Werkbetrachtung und dem spielerischen Ausprobieren von künstlerischen Praktiken. Ein Workshop dauert drei Stunden und findet einmalig statt; es begegnen sich dabei nicht nur die teilnehmenden Kinder, sondern auch ihre Eltern. Für manche Kinder kann dies die erste persönliche Begegnung mit einem Kind aus einer anderen Community bedeuten. Der Workshop ist mehrheitlich instruktiv, jedoch erhalten die Kinder nonverbale Instruktionen in Form von Piktogrammen und Comics. Nur wenn nötig, wird auf Hebräisch und Arabisch vermittelt; die Kinder sollen lernen, gemeinsam die Aufgabenstellung zu verstehen und umzusetzen.
Raafat wünscht sich langfristigere Projekte, durch die das Museum eine Community aufbaut, die sich aus arabischen und jüdischen Communities zusammensetzt, aber dazu bräuchte es mehr Personal. Und als Institution müsse man sich entscheiden: «more groups in a short time or fewer groups with more time”. Der Ansatz, der durch das Projekt «The Art Road to Peace» aufgezeigt wird, ist wichtig und weist auf das Potenzial vermittlerischer Tätigkeiten im Museum hin. Im Anschluss an die spannende Einführung ins Projekt erhielten wir von Raafat Hattab noch eine Führung durch die Sammlungsausstellung “Remotely Related. The Museum Presents Itself».
Was können wir uns dieser Studienreise lernen?
Nach einer White-City-Bauhaus-Tour, entlang geschwungener Balkone und weissen Eckhäusern, die wie Schiffe aussahen, endete das Programm der Studienreise in Tel Aviv. Am Abend trafen wir uns in einem trendigen veganen Restaurant in der Nähe des Dizengoff Square, um die Studienreise Revue passieren zu lassen. Jeder erzählte von seinen persönlichen Erfahrungen und welche Orte, Menschen oder Momente Eindrücke hinterliessen. Beispielsweise das Industrieviertel «Kiryat Hamelacha» südlich von Tel Aviv, hier haben sich in den letzten Jahren einige Offspaces, Künstlerstudios und Galerien angesiedelt. In den Gesprächen mit Künstler*innen und Kurator*innen vor Ort konnten viele Überschneidungspunkte mit der eigenen kuratorischen Praxis und Erfahrungen mit der freien Kunstszene in der Schweiz gezogen werden. Dort gab es auch eine unerwartete Begegnung mit dem Galeristen Zaki Rosenfeld, der uns spontan in die Sammlung seiner Galerie für zeitgenössische Kunst einlud und einen persönlichen Blick hinter die Kulissen ermöglichte. Lobend erwähnt wurde die Ausstellung «In Statu Quo – Structures of Negotiation» im TAMA, die mit ihren präzisen Ausstellungstexten über die komplexen und widersprüchlichen Entwicklungen von heiligen Stätten in Israel überzeugte und ein Architekturverständnis vermittelte, das Identitäten mitverhandelt. Die Ausstellungsinhalte waren eine hilfreiche Ergänzung zum Rundgang durch die Altstadt von Jerusalem ein paar Tage zuvor. Ein immer wiederkehrender Aspekt in den Rückmeldungen war der Einbezug der palästinensischen Perspektive in das Thema «kollektive Identitäten». In diesem Zusammenhang wurde der Besuch in der NGO Zochrot sehr geschätzt. Die NGO erarbeitet u.a. kritische Stadtvermittlungsprojekte und Lehrmittel für Schulen in Bezug auf den Israel-Palästina-Konflikt. Eine weitere wichtige Erfahrung war die mehrstündige Führung mit Edward van Voolen durch das «Museum of the Jewish People at Beit Hatfutsot», auf dem nördlichen Campus der Tel Aviv University. Das Museum zeigt vor allem das jüdische Leben in der Diaspora. Edward van Voolen hat wichtige Verbindungslinien und Unterschiede zwischen der israelisch-jüdischen Identität und den jüdischen Identitäten in der Welt gezogen.
Die Studienreise des Master Art Education Curatorial Studies nach Israel war eine wichtige Erfahrung. Die Analyse von Gedenkorten, Ausstellungen, künstlerischen Positionen hat den eigenen Blick auf dieses Berufsfeld geschärft und verdeutlich, dass die gesellschaftliche Rolle von Museen und Ausstellungen in einer konfliktbehafteten Welt von grosser Bedeutung ist. Der Begriff «kulturelle Identitäten» ist jedoch nicht eindeutig zu definieren und das Begriffspaar ist mit Schwierigkeiten verbunden. Für einige war es die erste Reise in dieses facettenreiche Land, jedoch ist davon auszugehen, dass weitere Reisen nach Israel folgen.
Die Ausstellung SITUATIONS/Closure wurde von Studierenden des Studiengangs MA Art Education Curatorial Studies unter der Leitung von Dr. Heiko Schmid in Zusammenarbeit mit dem kuratorischen Team des Fotomuseum Winterthur entwickelt. Gezeigt werden künstlerische Arbeiten von Samrat Banerjee, FRAUD, Simon Fujiwara, knowbotiq, Rhea Storr, Alba Zari und weiteren. Die Ausstellung läuft vom 24. Oktober 2020 bis zum 14. Februar 2021.
Das von dem Closure-Projektteam erarbeitete Ausstellungskonzept rückt zeitgenössische künstlerische Positionen in den Blick, die die Relevanz des Digitalen für das Fotografische in ihrer technologischen Komplexität adressieren und hierbei etwa Fragen des Postkolonialen oder der digitalen «Materialität» zeitgenössischer Bildlichkeit thematisieren. Für eine Ausstellung an einem Fotomuseum eher ungewöhnlich, wird hierbei die Wand als dominante Ausstellungsfläche in Frage gestellt und sich auf installative «Diskurs-Räume» fokussiert. Das Ausstellungsprojekt wird von Doris Gassert, research curator am Fotomuseum Winterthur und von Heiko Schmid betreut. Mit Katrin Bauer, Kim Bassen und Laura Schläpfer sind drei Studierende des Master Art Education Curatorial Studies in das Praxisprojekt involviert.
Pressemitteilung Fotomuseum Winterthur
Mit dem Cluster Closure geht SITUATIONS in die letzte Runde: Über fünf Jahre lang hat das Fotomuseum Winterthur mit seinem experimentellen Ausstellungsformat das vernetzte Bild in seinen technischen, kulturellen, sozialen und politischen Kontexten untersucht – und mithilfe künstlerischer, wissenschaftlicher und kuratorischer Strategien in 25 thematischen Clustern aufgearbeitet.
Unsere visuelle Kultur hat sich in den letzten Jahrzehnten radikal verändert: Mit unglaublicher Geschwindigkeit hat das vernetzte Bild neue Bildformen und kulturelle Praktiken hervorgebracht – mit zuvor noch nie dagewesenen sozialen und politischen Auswirkungen. Memes und GIFs, Selfies und Instagram-Filter, Algorithmen und neuronale Netzwerke, Screenshots und Drohnenbilder, Netzfeminismus und Online-Aktivismus, Content Moderator_innen, Influencer_innen und Aufmerksamkeitsökonomien: Die bildbasierten Phänomene unserer Zeit haben die Fotografie und ihre Funktionen nicht nur verändert und erweitert, sondern auch in unserem Verständnis herausgefordert.
Mit SITUATIONS hat das Fotomuseum Winterthur über fünf Jahre lang die Techniken, Praktiken und Ästhetiken des Post-Fotografischen untersucht und die Auswirkungen aktuellster Bildphänomene zur Diskussion gestellt. Mit dem Cluster Closure geht das Format in dieser Form nun zu Ende – nicht aber die dezidierte Auseinandersetzung mit vernetzten digitalen Bildpraktiken. Mit diesem Schwerpunkt hat das Fotomuseum Winterthur zusammen mit wenigen anderen Fotografieinstitutionen international eine Vorreiterposition eingenommen, die es auch weiterhin verfolgen und ausbauen will: Einerseits soll der Schwerpunkt stärker in das Gesamtprogramm einfliessen, andererseits soll unter dem Namen [permanent beta] ein Labor an der Schnittstelle von Theorie und Praxis, von Forschung und Experiment entstehen.
Das letzte Cluster von SITUATIONS widmet sich dem Umstand, sich an einer Fragestellung oder einem Ereignis abzuarbeiten mit dem Wunsch, klare Antworten und damit einen Abschluss – eine closure – zu finden. Innerhalb dieses oft zum Scheitern verurteilten Prozesses nehmen fotografische Praktiken eine zentrale Rolle ein, indem sie eine Auseinandersetzung initiieren, einen Schlusspunkt setzen oder eine Endlosschlaufe in Gang setzen. Sei es in Form von rituellen Handlungen, von der Wiederaneignung und Neubesetzung von Räumen, Narrativen und Blickregimen, oder vom Abschluss, der sich als Kurzschluss entpuppt: Die präsentierten Arbeiten irritieren und fordern ideologische, kapitalistische und koloniale Systeme heraus – und damit letztlich auch die Fotografie als universale Ausdrucksform.
Ausgewählte Arbeiten
Alba Zari, «Occult», 2019
In ihrer fortlaufenden Arbeit Occult reflektiert die italienische Künstlerin Alba Zari die Propagandawerkzeuge der christlich-fundamentalistischen Sekte The Children of God (heute: The Family International), in die sie hineingeboren wurde. Zari kombiniert dabei öffentliche Archivbilder der Sekte, die ein Gefühl von Gemeinschaft, Ekstase und Zugehörigkeit vermitteln, mit propagandistischen Comics und Videos und privaten Familienfotos, die die Verherrlichung von Kindesmissbrauch und Zwangsprostitution aufdecken und ein über mehrere Generationen verwurzeltes Trauma erfahrbar werden lassen.
Samjeet Banerjee, «Anonimals», 2019
Am Beispiel der Stadt Zürich hinterfragt die Videoarbeit Anonimals des aus Indien stammenden und in Zürich lebenden Künstlers Samrat Banerjee koloniale Machtsymboliken im öffentlichen Raum, die oftmals durch Darstellungen von Tierwesen aus Kolonien gekennzeichnet sind. Die in Anonimals nachgezeichnete und über Fotografien zur Diskussion gestellte, bis heute im Schweizer Stadtraum versinnbildlichte «Überlegenheit» des (europäischen) Menschen ist, nach Banerjee, als Fundament der Ausgrenzung, Ausbeutung und Unterdrückung zu begreifen.
Dada-Spektakulationen
Hundert Jahre Dada – diesem Jubiläum widmeten sich die Festspiele Zürich vom 3. bis 26. Juni 2016 und mit ihnen sieben Studierende der ZHdK. Für das Vermittlungsprojekt «Dada-Spektakulationen» realisierten die Studierenden des Master of Arts in Art Education akustische Installationen auf Toiletten von ausgewählten Festspielorten und weiteren (halb-)öffentlichen WCs. Splittercollagen auf den WC-Spiegeln und subtile Veränderungen der Signaletik spannten visuell einen roten Faden zwischen den bespielten Orten. Die Installationen wollten für das interessierte Publikum unterschiedliche Facetten von Dada erfahrbar machen.
Ausgangslage, Grundidee und Konzept:
Hundert Jahre, nachdem die Dada-Bewegung in Zürich ihren Anfang nahm, begaben sich rund dreissig Zürcher Kulturinstitutionen im Rahmen der Festspiele Zürich auf die Spuren von Dada. Es entstand ein Kaleidoskop an Perspektiven auf Dada, wofür die Studierenden des Masters of Arts in Art Education der ZHdK ein Vermittlungsprojekt erarbeiteten. Die Kooperation verfolgte das Ziel, die Neugier des Publikums zu wecken, neue Blickwinkel zu eröffnen und Verknüpfungen zwischen den einzelnen Programmpunkten zu schaffen.
Hans Richters Spiegelmetapher diente als Epizentrum und zentraler Reflexionspunkt des Projekts. Die Studierenden suchten eine Form, um zwischen Dada heute und Dada damals, zwischen Sinn und Unsinn und zwischen Sichtbarkeit und Unsichtbarkeit zu vermitteln. Analog zum Programm der Festspiele insgesamt sollte keine blosse Historienschau entstehen, sondern vielmehr dem Echo von Dada nachgespürt werden.
Die zahlreichen Manifeste und Eigendefinitionen der Dadaist_innen dienten als Ausgangspunkt für eine Audiocollage, die in spielerischer Weise mündliche Statements und Geräusch- und Rückwärtsaufnahmen mit Ausschnitten von Produktionen im Rahmen der Festspiele Zürich verband und dazu historisches sowie zeitgenössisches Material in einen Dialog treten liess. Neben den akustischen Bruchstücken spielte die Spiegelinstallation auf visueller Ebene mit der Splitterhaftigkeit von Dada und verband so die verschiedenen Veranstaltungsorte. Durch die Verfremdung der Spiegel mit Foliensplittern sollte sich die visuelle Reflexionsebene auf die akustische verlagern. Subtile Eingriffe in die Signaletik verwiesen auf die Installationen.
Auf der Website wurden alle Versatzstücke des Projekts zusammengeführt und über eine textliche Ebene kontextualisiert. Zudem diente sie der Offenlegung der Quellen, der Sammlung von Impressionen und wird zukünftig als digitales Archiv des Projekts «Dada-Spektakulationen» verwendet: http://dada-spektakulationen.zhdk.ch/
Pünktlich zum Saisonbeginn des Kunstgewerbemuseums Dresden startet das Praxisprojekt mit dem Museum und Studierenden von ausstellen & vermitteln. Im Dialog wird das Thema «Ornament» in drei Workshops erarbeitet. Gemeinsam wird diskutiert, entwickelt und probiert. Ziel ist nicht die vollständige Entwicklung einer neuen Dauerausstellung, sondern durch Diskussion und aktivem Verhandeln sollen unterschiedliche Ansätze formuliert werden. Neuigkeiten und Updates bei Facebook oder hier.
Workshop 1 «Das Museum meiner Träume», 27.–28. Juni 2015
Ende Juni hat der erste Workshop aus der Reihe «Fest oder Flüssig» im Kunstgewerbemuseum Dresden stattgefunden. Während zwei Tagen haben sich dreizehn motivierten Teilnehmer_innen intensiv mit Objekten aus der Museumsammlung auseinandergesetzt und bearbeiteten mit Hilfe des Museumsteams unterschiedliche Perspektiven auf die jeweiligen Exponate. Am Sonntag lag der Fokus auf der Frage: «Wie lässt sich ein Objekt ausstellen?» Nach einer kritischen und dialogischen Führung durch die Dauerausstellung haben die Teilnehmer_innen selber Displays getestet und vier spannenden Miniausstellungen eingerichtet, die beim zweiten Workshops weiterentwickeltet werden. Der Workshop wurde von Stefanie Frey, Katharina Kurz und Aline Suillot entwickelt und durchgeführt.
Workshop 2 «Ornamentgeschichten», 24.–25. Juli 2015
Ende Juli hat der zweite Workshop aus der Reihe «Fest oder Flüssig» im Kunstgewerbemuseum Dresden stattgefunden. Dieses Mal drehte sich der Workshop um eigene Objekte der Teilnehmer_innen und den damit verbundenen Ornamentgeschichten. Die 20 Teilnehmer_innen unterschiedlicher Herkunft liessen mit ihren Objekten einen interkulturellen, multiperspektivischen Dialog entstehen. Am ersten Tag stellten sich die Teilnehmer_innen in Gruppen gegenseitig ihre mitgebrachten Dinge vor und informierten über die jeweilige Bedeutung bzw. den kulturellen Kontext und erstellten Texte zu ihren Objekten. Am zweiten Tag wurden diese mit Objekten des Museums in Beziehung gebracht. Aus diesen neuen Vernetzungen entstanden spannende Miniausstellungen, die auch Bezug auf Installationen des ersten Workshops nahmen. Der Workshop wurde von Jessica Hornung und Lea Rudolph entwickelt und durchgeführt.
Workshop 3 «Sampling», 28.–30. August 2015
Ende August fand der letzte Workshop aus der Reihe «Fest oder Flüssig» im Schloss Pillnitz statt. Eine Klasse des Kreuzgymnasiums wurde vom Kunstgewerbemuseum eingeladen, an diesen spannenden und intensiven Tagen teilzunehmen. Als Voraufgabe hatten die 17 Schüler_innen im Stadtraum Dresden fotografiert und gesammelt. Diese Bilder wurden dann mit Fotos von Exponaten und architektonischen Elementen des Museums ergänzt. Beide Konvolute wurden am zweiten Tag mit Methoden des «Samplings» neu kombiniert. Die Ergebnisse wurden gemeinsam in einer kleinen Ausstellung installiert. Am Sonntag, bei sonnigem Wetter, hatten die Teilnehmer_innen der drei Workshops, im Rahmen eines wunderschönen Festes, die Gelegenheit, ihren Familien und Freunden zu zeigen, was sie mitgemacht hatten. Der Workshop wurde von Stefanie Frey, Katharina Kurz, Lea Rudolph und Aline Suillot konzipiert und durchgeführt.
Wie wir uns kleiden, beeinflusst wie wir wahrgenommen werden. Die Ausstellung UNLABEL – Mode jenseits von Kategorien, konzipiert und umgesetzt von Studierenden der ZHdK, regt anhand aktueller Positionen von Modedesigner*innen dazu an, stereotype Geschlechteridentitäten zu hinterfragen.
Kleider machen Leute: Längst hüllt sich der Mensch nicht mehr nur in Stoffe, um den Körper zu bedecken oder sich vor Wind und Wetter zu schützen. Mode ist stets auch Mittel der Selbstdarstellung, der Abgrenzung sowie Projektionsfläche für gesellschaftliche Konstrukte. So unterliegt das Verständnis von «Geschlecht» sozialen, politischen und kulturellen Zuschreibungen. Entsprechende Normen – die in der Mode sichtbar werden – ändern sich mit der Zeit und bilden sich je nach gesellschaftlichem Kontext unterschiedlich aus. Welche Kleidung gilt als männlich oder weiblich und wie können solche Zuschreibungen neu gedacht werden? Die Ausstellung UNLABEL– Mode jenseits von Kategorien untersucht dies anhand aktueller Arbeiten von acht Modedesigner*innen und Künstler*innen, die herkömmlichen Geschlechternormen mit alternativen Entwürfen und Konzepten gegenübertreten.
Dekonstruieren, analysieren, ausprobieren
Das begleitende Vermittlungsprogramm lädt zur vertiefenden Auseinandersetzung mit dem Thema ein: Die Zürcher Modedesignerin Sandra Kuratle entwirft zusammen mit den Besucher*innen Röcke und untersucht diese Entwürfe auf geschlechterspezifische Eigenschaften hin. Auch wie Kleidung die Beziehung zum eigenen Körper beeinflusst, erfahren die Teilnehmer*innen am eigenen Leib: im Bewegungsworkshop mit der Performancekünstlerin Miriam Coretta Schulte oder beim Anprobieren ausgewählter Kleidungsstücke in der Ausstellung. Im Rahmen einer Podiumsdiskussion werden anhand einer Marktanalyse der Modebranche die kulturellen, historischen und ökonomischen Hintergründe der Ausstellung mit eingeladenen Gästen erläutert.
Details zum Vermittlungsprogramm mit Workshops und Talks sind auf der Website des Museum für Gestaltung Zürich zu finden: museum-gestaltung.ch
Von den Kurator*innen von morgen
Die Ausstellung wurde von der Idee bis zum fertigen Konzept von Studierenden des Masterstudiengangs Art Education Curatorial Studies an der Zürcher Hochschule der Künste entwickelt und umgesetzt. Betreut wurden sie dabei von den Dozierenden Prof. Angeli Sachs, Dr.Heiko Schmid und Prof. Serge von Arx. Als Teil der ZHdK engagiert sich das Museum für Gestaltung Zürich in der Ausbildung und Förderung des kuratorischen Nachwuchses und schlägt mit diesem experimentierfreudigen Projekt im Toni-Areal eine weitere Brücke zur Lehre.
Studierende Master Art Education Curatorial Studies
Robert Ashley, Deniz Atay-Wohlwend, Hanna Banholzer, Katrin Bauer, Brooke Jackson, Rilando June Lamadjido, Geraldine Messmer, Anne-Sophie Mlamali, Trinity Njume-Ebong, Alicia Olmos Ochoa, Leslie Ospelt, Gemma Pepper, Bettina Rohr, Emanuela Schulze, Lena Seefried, Doris Son, Johanna Spögler, Nora Wüthrich
Die Fondation Beyeler präsentierte vom 30. Juni bis 29. Juli 2018 ein Kunstprojekt des brasilianischen Künstlers Ernesto Neto im Zürcher Hauptbahnhof. Die Installation GaiaMotherTree, eine aus bunten Baumwollbändern handgeknüpfte und baumartige Skulptur konnte betreten werden und wurde zu einem Ort der Begegnung.
Noura Abla, Maria Bänziger, Sandra Cubranovic, Zita Strübi und Deniz Wohlwend, fünf Studierende aus dem Master Art Education, haben täglich Werkbetrachtungen durchgeführt. Sie haben die Vermittlungsinhalte selbst erarbeiten. Unterstüzt wurden sie von Ernesto Neto, Künstler, Michiko Kono, Associate Curator Fondation Beyeler, Angelika Bühler, Head of Events and Public Program Fondation Beyeler, Nadine Koller, Assistenzkuratorin Fondation Beyeler, Reto Bühler, Organisation, Bruno Heller, Assistent Curatorial Studies und Angeli Sachs, Leiterin Curatorial Studies.
Über Ernesto Neto
Ernesto Neto wurde 1964 in Rio de Janeiro geboren. Von 1994 bis 1997 besuchte er dort die Escola de Artes Visuais do Parque Lage sowie Kurse am Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro. Ernesto Neto zählt zu den bedeutendsten zeitgenössischen Künstlern Brasiliens. Seinem Schaffen wurde nicht zuletzt aufgrund mehrerer Teilnahmen an der Biennale von Venedig und von Ausstellungen in renommierten Museen weltweit grosse Anerkennung zuteil. Netos Kunst ist sowohl vom brasilianischen Neokonkretismus der 1960er-Jahre als auch von Minimal Art, Konzeptkunst und Arte povera geprägt. Spiritualität, Humanismus und Ökologie sind massgebliche Aspekte in seiner Arbeit.
Weitere Informationen zum Projekt findet ihr unter: fondationbeyeler.ch/ernestoneto/
Werkbetrachtung zu «Ernesto Neto, GaiaMotherTree», 2018
Dozierende/Projektleitung
Das Kunstprojekt im öffentlichen Raum wird von Sam Keller, Direktor, und Michiko Kono, Associate Curator der Fondation Beyeler geleitet. Die Werkbetrachtungen werden von Bruno Heller, Assistent im Master Art Education Curatorial Studies betreut.
Importiert am
22.08.2018
Übergeordnete Sets
1
Set enthält
0 21
Praxisprojekt «Mittagspause und Spielraum Zürich», 2016
Name that can easily go onto 2 lines
Author that can easily go onto 2 lines as well
Untertitel
Zwei Vermittlungsprojekte zwischen der Manifesta 11 und dem Master Art Education Curatorial Studies
Diese beiden Vermittlungsprojekte sind innerhalb der diesjährigen Kunstbiennale Manifesta 11 entstanden. Fünf Master-Studentinnen des Studiengangs Art Education/Curatorial Studies (ZHdK) haben in Kooperation mit der Kunstbiennale Manifesta 11 zwei Formate entwickelt, die das Thema «What People Do for Money. Some Joint Ventures» erweitern und gleichzeitig kritisch hinterfragen.
Eine Juristin, zwei Lehrlinge der SBB, eine Beraterin und ein Interaction-Designer unterhalten sich Ende Juni auf der Josefwiese in Zürich über unbezahlte Pausenzeiten, prekäre Arbeitsbedingungen im Kulturbereich und vielfältige Bildungswege. Auch wenn sie im gleichen Stadtteil arbeiten, treffen sie während dieser gemeinsamen «Mittagspause» das erste Mal aufeinander. Ein langer Tisch mit Getränken und frischem Obst bietet an zwei Tagen auf der Josefwiese die Gelegenheit, mit fremden Menschen in Kontakt zu treten und sich während des Mittagessens nicht nur mit den eigenen Arbeitskollegen zu unterhalten.
Um Kontakt geht es auch bei der Stadtführung «Spielraum Zürich»: Hierbei erfahren die Teilnehmenden neue Perspektiven und Berührungspunkte mit dem Zürcher Stadtraum. Unter einer Autobahnbrücke sitzen mehrere Menschen und lauschen still den Geräuschen der vorbeifahrenden Autos. Kurz zuvor haben sie sich unter einen Brunnen gesetzt und den urbanen Raum aus einer anderen Perspektive erfahren. Während des gemeinsamen Spaziergangs werden die Teilnehmenden aufgefordert, ihr Wissen und ihre Erfahrung mit den Anderen zu teilen und mit ganzem Körpereinsatz die Stadt Zürich neu kennen zu lernen.
Als wichtige europäische Kunstausstellung, neben der Documenta in Kassel und der Biennale in Venedig, lässt sich die Manifesta seit 1996 alle zwei Jahre an einem anderen Ort nieder; zuletzt 2014 in St. Petersburg. Passend zu einer Stadt, die wirtschaftlich floriert und Platz drei der teuersten Städte der Welt belegt, macht der Themenschwerpunkt «What People Do for Money. Some Joint Ventures» auf die vielfältigen Arbeitsfelder und Berufstätigen der Stadt Zürich aufmerksam. Der Künstler und Kurator der 11. Manifesta, Christian Jankowski, bringt mit seinem kuratorischen Konzept 30 Künstler_innen aus der ganzen Welt mit Berufstätigen aus Zürich zusammen. Die bei der Zusammenarbeit entstandenen Kunstwerke werden in Kunst-Institutionen wie dem Löwenbräukunst-Areal, dem Helmhaus oder dem Cabaret Voltaire gezeigt. Ergänzend zu den neu entstandenen Kunstwerken finden sich in der «Historical Exhibition» Kunstwerke aus vergangenen Jahrzehnten, die sich ebenfalls mit dem ThemaArbeit auseinandersetzen. Auf dem «Pavillon of Reflections», einer schwimmenden Plattform auf dem Zürichsee, werden die Kooperationen zwischen Künstler_innen und Berufstätigen durch kurze Dokumentarfilme sichtbar gemacht. Weitere Ausstellungsorte sind die sogenannten Satelliten: Orte, die mit den unterschiedlichen Berufsfeldern zusammenhängen, wie zum Beispiel ein Schulhaus, eine Zahnarztpraxis oder ein Hundesalon.
Die beiden Vermittlungsprojekte «Mittagspause» und «Spielraum Zürich» bewegen sich auf unterschiedliche Art und Weise in diesem Themenfeld. Während bei dem gemeinsamen Mittagstisch das Phänomen der Pause als wichtiger Bestandteil der arbeitenden Gesellschaft untersucht wird, findet die spielerische Stadtführung neue Zugänge und Perspektiven auf den urbanen Raum und bietet eine Unterbrechung zu den Ausstellungsbesuchen während der Manifesta an. Beide Projekte haben die Eigenschaft in Form von einer Pause – sei es von der eigenen Arbeit oder dem Besuch der Kunstbiennale – Teilnehmenden Zeit zum Nachdenken zu ermöglichen.
Das Praxisprojekt für die Ausstellung „Action!“ im Kunsthaus Zürich fand über die Dauer der Ausstellung (23.6.-30.7.2017) an vier Donnerstagen statt. Das Projekt wurde von Nadja Aebi, Seline Flüscher und Marion Malin, Studentinnen der Vertiefung Curatorial Studies, konzipiert und realisiert, Mentorin war Hannah Horst. Das partizipative Format bot eine vielfältige Auswahl von Anregungen an, wie Besucher_innen die Ausstellung aktiv und performativ erleben können. Gesprächsrunden und Workshops, die an den jeweiligen Abenden stattfanden, luden ein, über Performance- und Aktionskunst zu diskutieren und subjektive Erfahrungen einfliessen zu lassen.
Take A Map and Get Lost entstand im Rahmen des MA Art Education Curatorial Studies an der Zürcher Hochschule der Künste. Lernziel des Moduls ist das Austesten und Erweitern von bestehenden Vermittlungsformate. Das Konzept greift die Thematik der Ausstellung auf, denkt sie weiter und verhandelt sie. Das Projekt bietet eine vielfältige Auswahl von Anregungen an, wie sie als BesucherIn die Ausstellung aktiv und anders als gewöhnlich erleben können. An den Anlässen am Abend haben die BesucherInnen die Gelegenheit über Performance- und Aktionskunst zu diskutieren und ihre Erfahrung einfliessen zu lassen. In einer Vermittlungsbox werden die Anregungen bereitgestellt.
Do., 29. Juni 2017
Publikum als Thermostat. Eine geführte Gesprächsrunde mit Stefan Wagner
Was hat Googles Kauf eines Thermostat-Herstellers 2014 mit einer Führung im Kunsthaus gemein? Auf den ersten Blick nichts und doch sehr vieles. Wir leben im Zeitalter des Feedbacks: Konstantes aufzeichnen und wiedergeben, interpretieren und neu formulieren. Eines dieser Symptome der Feedbackkultur ist der Fragebogen. Beständig wird man aufgefordert seine Meinung beizutragen, über Produkte Urteile abzugeben, unsere Innerstes auszuschütten. Der Kunde erscheint als König in der gegenwärtigen Konsumkultur, zu der auch die Kulturinstitution zählen und doch stellen sich immer mehr Fragen zu dieser Kultur. Lässt sich dieses immer wiederkehrende Echo durchbrechen oder nicht? Wollen wir überhaupt aus der Feedbackschlaufe heraus? Was bedeutet es in dieser Thermostatgesellschaft Kunst zu betrachten und warum müssen wir ständig mitmachen?
Do., 6. Juli 2017
Der Reflexive Kreis mit Søren Berner
Der Künstler Søren Berner versucht gemeinsam mit dem Publikum eine Metaebene von der Feedbackkultur zu erreichen. Sozusagen Feedback feedzubacken. Oder: mögliche Fragen zu (noch) nicht erlebten Erlebnissen zu formulieren und mit möglichen Antworten zu beantworten. Das ist verwirrend? Die Veranstaltung versteht sich einerseits als Aufbereitung oder Pendant zu der von Stefan Wagner geführten Gesprächsrunde "Das Publikum als Thermostat" vom 29. Juni und verfolgt die Aufarbeitung der Feedbacks ebenjener Sitzung, anderseits als ein Versuch „Yard“ von Allan Kaprow – reinvented von San Keller als Analysemodell zu verwenden.
Die Stiftung IMAI – Inter Media Art Institute präsentiert, archiviert, verleiht und verkauft zeitbasierte Medienkunst. Sie knüpft damit an eine lange Geschichte alternativer Kunst-Distribution seit den 1970er Jahren an, die eine Demokratisierung der Kunstrezeption anvisiert.
Das Videoprogramm «Do videos dream of glitching?» ist im Rahmen eines Praxisprojekts in Zusammenarbeit zwischen der Stiftung IMAI – Inter Media Art Institute in Düsseldorf und dem Master of Arts in Art Education Curatorial Studies entstanden.
Do videos dream of glitching?
Im Zentrum des Videoprogramms stand das Konzept des „Glitches“. Ein Glitch, so wurde durch das Projektteam formuliert, kann absichtlich oder auch zufällig entstehen. Er zelebriert die ineffiziente, irrationale, lästige Störung. Videokünstler*innen nutzen das Glitching, so die zentrale These der Projektgruppe, als emanzipatorische Strategie, die eine vertiefte Technologiekritik ermöglicht. Die ausgewählten Arbeiten hinterfragten in diesem Sinne die Grenze zwischen Fehlfunktion und Manipulation.
Ausgehend von einer inhaltlich konzeptuellen Analyse des Archivs der Stiftung IMAI – Inter Media Art Institute wählte das siebenköpfige Projektteam folgerichtig insgesamt 7 Videos aus, die das Thema „Glitches“ aus unterschiedlicher Perspektive behandeln. Das Videoprogramm war zwischen Samstag, den 8. Mai 2021 und Sonntag. 30. Mai auf der IMAI Website zu sehen. Ausserdem wurde das Programm in der Videolounge des IMAI im NRW-Forum in Grossprojektion gezeigt.
Screening Programm
Steina und Woody Vasulka, Noisefileds, 1974, 10:52 Min.
Franziska Megert, Sweet Dressing, 1983, 3:26 Min.
Paul Garrin, Free Society, 1988, 4:03 Min.
Raphael Montañez Ortíz, Busy Bodies, 1997, 8:57 Min.
Ulrike Rosenbach, Das Feenband, 1983, 15:17 Min.
George Barber, Effervescence, 1995, 1:31 Min.
Norbert Meissner mit Mike Krebs, Dialog, 1987, 4:45 Min.
Rahmenprogramm
Parallel zum Screening wurden mehrere Social Media Interventionen entwickelt, in denen sowohl das Thema referenziert und interpretiert, wie auch die Kurator:innen vorgestellt wurden.
Projektbeteiligte
Studierende des Master of Arts in Art Education Curatorial Studies, Zürcher Hochschule der Künste: Chiara Giardi, Caroline Glock, Ugo Pecoraio, Evita Verbrugge
Dozent: Dr. Heiko Schmid
Stiftung IMAI: Dr. Linnea Semmerling, Darija Šimunović
Die gemeinsame Studienreise des Master Art Education führte vom 10. bis 13. April 2018 nach Berlin. 19 Studierende haben sich in dieser Woche intensiv mit Museen, Ausstellungen, künstlerischen Positionen, Projekten, Vermittlungsangeboten und Publikationsformaten beschäftigt, so dass sich für die drei Vertiefungen interessante Perspektiven eröffnen. Zudem war die Studienreise eine gute Gelegenheit zum Austausch zwischen den verschiedenen Disziplinen.
Begleitet wurde die Reise von Angeli Sachs, Bruno Heller, Eva Mackensen, Heinrich Lüber und Ruedi Widmer. Sandra Čubranović und Noemi Staub haben die Studienreise mit Texten und Zeichnungen dokumentiert. Ihre Dokumentation ist im unteren Bereich der Seite als PDF abrufbar.
Dienstag, 10. April – Jüdisches Museum Berlin
Die Studienreise beginnt mit einem ganztägigen Workshop im Jüdisches Museum Berlin. Léontine Meijer-van Mensch, Programdirektorin, thematisiert die Neuausrichtung der Institution hin zu partizipativen Strategien in der Museumsarbeit, einer Hinwendung zur Gegenwart sowie eine stärkere gesellschaftliche Rolle des Museums. Das Museum soll zu einem Ort für „Menschen mit Fragen“ werden. Die Themenausstellung „Welcome to Jerusalem“ ist der Versuch multiperspektivisch auf die „heilige Stadt“ zu blicken, was sich unter anderem an der künstlerischen Position von Mona Hatoum widerspiegelt. Der Libeskind Bau soll zukünftig vermehrt als Ort für zeitgenössische Kunst wahrgenommen werden, und Arbeiten wie der Licht- und Toninstallation „res·o·nant“ von Mischa Kuball einen Raum bieten.
Mittwoch, 11. April – Berlin Biennale, KW Institute for Contemporary Art, Coop-Campus, Schaubühne Berlin
Der zweite Tag beginnt im Sitzungszimmer des Büros der 10th Berlin Biennale, die im Juni eröffnet. Thiago de Paula Souza gehört zum kuratorischen Team und berichtet über das Konzept, die Ausstellungsorte und den Titel „We don't need another hero“. Im gleichen Gebäudekomplex befindet sich das KW Institute for Contemporary Art. Dort besuchen wir die aktuelle Ausstellung der Künstlerin Judith Hopf sowie eine Ausstellung zum Oeuvre von Trix & Robert Haussmann.
Am Nachmittag besuchen wir das Projekt Coop-Campus - Die Gärtnerei, das im Jahr 2013 mitten in Neukölln auf einem Friedhof begann. Initiiert von raumlabor berlin, Schlesische27 und dem Evangelischen Friedhofsverband werden hier zusammen mit Menschen, die auf verschiedenen Fluchtwegen Berlin erreicht haben, Fragen nach neuen Formen des Zusammenlebens gestellt und brachliegende Bereiche des Friedhofs beackert und bepflanzt. Vielen Dank an Andrea Hofmann von raumlabor berlin für die Einblicke.
Am Abend besuchen wir die Vorstellung „Inflammation du verbe vivre“ von Wajdi Mouawad in der Schaubühne Berlin, die im Rahmen des Festival Internationale Neue Dramatik (FIND) stattfindet. Das Festival setzt sich in diesem Jahr mit dem Vergessen auseinandersetzt und versucht eine „Kunst des Vergessens“ zu entwickeln.
Donnerstag, 12. April – Monopol Magazin, Espace Diaphanes
Am dritten Tag werden wir von Janne Schumacher und Elke Buhr in den Redaktionsräumen des Monopol Magazin begrüsst. Die Studierenden stehen schlagfertigen und offenen Gesprächspartnerinnen gegenüber, die einen Einblick in die tägliche Arbeit in der Redaktion und die Positionierung des Magazins geben. Am Nachmittag schwärmen die Studierenden aus den drei Vertiefungen zu ihrem Individualprogramm aus, bevor sich alle wieder am Abend im Espace Diaphanes treffen, um den Book-Launch von „Scripted Culture. Kulturöffentlichkeit und Digitalisierung“ zu feiern. Ruedi Widmer und Ines Kleesattel präsentieren die Publikation und geben einen Einblick: „Von der DNA bis zur Robotersteuerung, (...) von der erzählten bis zur errechneten Zukunft – immer handelt es sich um Formen der »Geschriebenheit« von Geschichte und Geschichten.“ Das Buch wurde gemeinsam mit dem Ausstellungskatalog „Holy Shit. Katalog einer verschollenen Ausstellung“ und einer Spoken-Scripted Performance von Stefan Zweifel vorgestellt.
Freitag, 13. April - Good Friends
Am letzten Tag steht ein individuelles Programm der drei Vertiefungen auf dem Programm. Am Abend wird sich über die unterschiedlichen Erlebnisse der Studienreise im Restaurant «Good Friends» ausgetauscht.