In der heutigen künstlerischen Praxis sind Künstler*innen aus verschiedenen Feldern und
Disziplinen mit der natürlichen Situation von der Adaption alten Materials konfrontiert. Sind
es alte Texte, alte Theorien und die Fixpunkte der Entwicklungen von Kunstrichtungen und
Praxen; Die Kunst hat eine gewaltige Historie mit einer ständigen Wechselwirkung von
Gesellschaft und Kultur. Durch die Zeit hinweg sind wir nun immer angehalten uns mit alten
Dogmen und klassischen Weltanschauungen, welche sich in der Kunst widergespiegelt finden,
kritisch auseinanderzusetzen. Damit gehen auch veraltete und aus heutiger Sicht
problematische, wie beispielsweise antisemitische, rassistische, sexistische und
menschenverachtende Narrative einher, mit welchen wir heute noch immer in Kontakt
kommen. Um hier einer künstlerischen Reproduktion zu entgehen, müssen sie zunächst im
Kontext ihrer Zeit verstanden und dann im nächsten Schritt kritisch verarbeitet werden. Hier
kann nun diskutiert werden, inwiefern ein solches Material heute noch eine Rolle spielt und
unsere heutigen Kunstschaffende überhaupt tangieren muss. Dennoch bauen alle Geschichten
heute oder damals auf Vorreiter*innen1 der Literatur, Malerei, Philosophie und Musik auf.
Dieses Faktum zu ignorieren, erscheint hier als unpassend, da es somit einen Strich zieht und
der gesellschaftlichen Entwicklung des Menschen mit einer ignoranten Utopie begegnet. Die
Frage lautet nun nicht, OB man sich mit altem Material auseinandersetzt, sondern eher WIE
eine kritische Auseinandersetzung mit problematischen Motiven, Symbolen, Bildern und
Bedeutungsträgern, vergangener Figurationen und Narration von Geschichten ausschaut.
Dass Darsteller*innen in den immer noch schauspielorientierten Stadttheatern trotz des dort
vorherrschenden darbietenden Sprechtheaters nicht unbedingt immer nur Figuren zu
verkörpern haben, scheint im Bewusstsein der meisten Theaterschaffenden seit längerem
wieder fest verankert zu sein. Aber durch was wurde diese zurückgewonnene Überzeugung in
der Theaterwelt wieder bestärkt? War der kontinuierliche Erfolg, den in Deutschland bspw.
Pollesch, Marthaler oder Schlingensief mit ihrem Theater jenseits figürlicher Repräsentation
für sich verbuchen konnten, dafür mit ausschlaggebend? – Virtuos nennt die
Theaterwissenschaftlerin Bettina Brandl-Risi deren Theater. Denn es sei ihnen allen gemein,
wenn auch unter verschiedenen Vorzeichen, dass sie etwas Bestimmtes forcieren, nämlich
sogenannte Neue Szenen des Virtuosen, welche es vor dem Hintergrund einer von Erfolg,
Darstellung und Überbietung geprägten Arbeitskultur zu erörtern gelte. Virtuosität kann also
ein Schlüssel sein zum Verständnis der hier vorliegenden Eingangsfrage.
Auch schon die „gängige Vorstellung von Virtuosität ist die einer virtuosen Darbietung, die
Standards und Erwartungen übertrifft […] und exzessive Differenzierungen produziert.“
Bisher habe deshalb (theatrale) Virtuosität, wenn im Darbieten „vorrangig die Identifikation
mit der […] Rolle angestrebt wird, […] zugleich als Stolperstein [von deren] theatraler
Repräsentation“ fungiert. Unsere Neue Virtuosität aber ist nicht in der (kunstfertigen)
Störung theatraler Repräsentation von Figuren zu finden. Denn die Ästhetiken von etwa
Pollesch, Marthaler oder Schlingensief haben die theatrale Repräsentation ohnehin schon als
eine „gestörte“ markiert.